10 obras modernistas de Tarsila do Amaral

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El Modernismo brasileño fue un período en el que los artistas estaban muy interesados ​​en traer una renovación al arte del país.

Buscando inspiración en las vanguardias europeas, produjeron obras que dialogaban con la cultura nacional y rompían los estándares estéticos vigentes hasta entonces.

Uno de los grandes nombres de la época fue Tarsila do Amaral, figura decisiva en la consolidación de este aspecto artístico en Brasil.

A continuación, echa un vistazo a diez importantes obras modernistas de Tarsila que presentamos en orden cronológico.

1. The Black, 1923

] El negro (1923)

En el trabajo El negro, Tarsila expone la figura de una mujer de facciones bien marcadas, manos y pies grandes y cabeza pequeña. Además, el artista explora elementos cubistas de fondo.

En esta obra, podemos percibir la representación de la mujer negra como un ser que lleva una pesada carga social, que se nota por la mirada melancólica y por el pecho que se expone.

El pecho que cuelga del cuerpo se refiere a la práctica de las nodrizas en la época de la esclavitud, en la que las esclavas amamantaban y cuidaban a los hijos de las élites blancas.

El cuadro es un óleo sobre lienzo realizado en 1923 – un año después de la Semana del Arte Moderno – y mide 100 x 80 cm. Pertenece a la Colección del Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo, en São Paulo.

2. La Cuca, 1924

cuca La Cuca (1924)

La composición La cuca trae una figura presente en el folclore brasileño y en el imaginario de la población. Según la leyenda, se decía que la cuca era una bruja malvada con cuerpo de caimán que secuestraba a niños desobedientes.

Pintado en colores vibrantes y tropicales, el lienzo recuerda a la infancia; exhibe algunos animales y una naturaleza viva. Pertenece a Fase modernista Pau-Brasil, que precede al movimiento antropofágico.

Se trata de una creación de 1924, mide 73 x 100 cm, fue realizada con pintura al óleo y se encuentra en el Museo de Grénoble, en Francia.

3. São Paulo (Gazo), 1924

[ width=»894″] sao paulo gazo Sao Paulo – Gazo (1924)

La obra São Paulo (Gazo) también forma parte de la fase Pau-Brasil de Tarsila, siendo uno de los hitos del período.

En esta fase, el artista explora los elementos urbanos y la modernización de las ciudades en contraste con los paisajes tropicales y la apreciación de la fauna y la flora.

Según el historiador y artista Carlos Zilio:

En obras como ésta, Tarsila sitúa la percepción de Brasil desde la perspectiva abierta por la industrialización.

Este es un óleo sobre lienzo de 1924, de 50 x 60 cm de tamaño y pertenece a una colección privada.

4. Morro da Favela, 1924

[ width=»883″] colina de la favela Morro da Favela (1924)

Morro da Favela pertenece al período Pau-Brasil. Representa un barrio pobre con casas, árboles y personas coloridas.

Es un trabajo de denuncia social, porque en ese momento la población pobre se vio obligada a ceder espacio en grandes centros y trasladarse a zonas periféricas. Fue en ese momento que hubo un gran aumento de los barrios marginales en el país.

A pesar de las críticas, Tarsila logra retratar esta realidad de manera liviana, sugiriendo armonía, una idealización del cerro como lugar idílico. La composición data de 1924, mide 64 x 76 cm y pertenece a una colección privada.

5. Abaporu, 1928

[ width=»882″] abaporu Abaporu (1928)

Una de las obras más conocidas de Tarsila es sin duda Abaporu. El nombre es una unión de las palabras tupis. pestaña (hombres), pero (gente y ú (comer), por lo tanto significa hombre que come gente, o devorador de hombres.

Se idealizó pensando en la cultura brasileña y muestra a una persona sentada en una posición reflexiva. La figura presenta grandes distorsiones y se inserta en un paisaje típico brasileño, más específicamente en el Nordeste. Expone intensamente los colores de la bandera brasileña.

Esta imagen fue el impulso para una nueva fase en el modernismo brasileño: el movimiento antropofágico.

Abaporu se produjo en 1928 en la técnica del óleo sobre lienzo y mide 85 x 72 cm. Actualmente se encuentra en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA).

6. Urutu (El huevo), 1928

el huevo Urutu – El huevo (1928)

La obra Urutu – también conocido como El huevo – está lleno de simbolismo. Presenta una serpiente, que es un animal muy temido y tiene la capacidad de tragar. También hay un huevo enorme, que significa el nacimiento de una idea, de un nuevo proyecto.

Estos símbolos están directamente relacionados con el movimiento modernista que estaba naciendo en el país, especialmente con la fase antropofágica. Esta fase proponía «ingerir» las ideas de las vanguardias artísticas ocurridas en Europa y transformarlas en un nuevo arte preocupado por la cultura nacional.

El lienzo fue realizado en 1928. Pintado al óleo, mide 60 x 72 cm y forma parte de la colección de la Colección Gilberto Chateaubriand, en el Museo de Arte Moderno (MAM), en Río de Janeiro.

7. La Luna, 1928

la luna La luna (1928)

En el tablero La luna, el artista presenta un paisaje nocturno con colores saturados y formas sinuosas. La luna y el cactus aparecen de forma muy estilizada.

La composición, realizada en 1928, pertenece a la fase antropofágica de Tarsila y mide 110 x 110 cm.

En 2019 fue adquirido por el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMa) por una exorbitante cantidad de 20 millones de dólares (unos 74 millones de reales).

La famosa galería emitió una nota mostrando satisfacción por la adquisición y agradeció el trabajo del pintor diciendo:

Tarsila es una figura fundadora del arte moderno en Brasil y un protagonista central en los intercambios transatlánticos y culturales de este movimiento.

8. Antropofagia, 1929

antropofagia Antropofagia (1929)

En Antropofagia, Tarsila unió dos trabajos producidos anteriormente: El negro (1923) y Abaporu (1928). En este lienzo, el artista fusiona las dos figuras, como si tuvieran una dependencia mutua.

Aquí se presenta la imagen de la mujer negra con la cabeza disminuida, emparejándose con la cabeza de Abaporu. Los seres se enredan como si fueran uno y se integran con la naturaleza.

Rafael Cardoso, historiador del arte, define la obra de la siguiente manera:

En Antropofagia las cosas no cambian. Simplemente son; subsisten, con una terrible y sólida permanencia que los ancla al suelo.

El cuadro fue pintado en 1929, es un óleo sobre lienzo con una dimensión de 126 x 142 cm y pertenece a la Fundación José y Paulina Nemirovsky, en São Paulo.

9. Trabajadores, 1933

trabajadores Obreros (1933)

En la década de 1930, con la inmigración y el impulso capitalista, mucha gente desembarcó en centros metropolitanos – especialmente São Paulo – provenientes de diferentes partes de Brasil para suplir la necesidad de mano de obra barata que demandaban las fábricas.

En este momento, Tarsila comienza su última fase modernista, llamada Fase social, en el que explora temas de carácter colectivo y social. Aquí cuestiona las adversidades que provienen de la industrialización, la concentración de la riqueza en manos de unos pocos y la explotación a la que están sometidos muchos.

El pintor luego hace el lienzo Trabajadores, en el que muestra los rostros de distintas personas, de distintas etnias, pero que tienen en común una expresión de agotamiento. En esta composición, la masa de personas aparece como el retrato de los obreros fabriles de la época.

Se trata de una obra de 1933, de 150 x 205 cm y que se encuentra en el Palacio de Boa Vista, en Campos do Jordão.

10. Segunda clase, 1933

tarsila de segunda clase Segunda clase (1933)

Hasta allá Segunda clase también pertenece a la fase social.

Aquí, Tarsila retrata a personas en una estación de tren. Al fondo, la figura de una mujer con un niño y un anciano. Fuera del automóvil, cuatro mujeres, tres hombres y cinco niños tienen rasgos cansados ​​y desesperanzados.

La escena retrata una realidad muy común en el período, el éxodo rural, que es la migración del campo a la ciudad de individuos que parten en busca de mejores condiciones de vida y oportunidades.

Los colores elegidos en la composición son grisáceos y ya no tienen la intensidad y la vida de las otras fases modernistas del pintor.

Se trata de una obra realizada mediante la técnica del óleo sobre lienzo, mide 110 x 151 cm y forma parte de la colección de una colección privada.

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