Caravaggio, el adivino
Iniciador de una forma de realismo populista que acabó con el espíritu del Renacimiento, Caravaggio recibió la oposición de los escandalizados por su atrevimiento. Considerado uno de los padres de la pintura moderna, dejó un legado de Caravaggio, que aún ejerce la misma fascinación.
1. Comienzos difíciles
Michelangelo Merisi tomaría su apodo del pueblo lombardo de Caravaggio, de donde son sus padres y en el que pasó parte de su infancia. Luego fue a Milán y, en 1584, fue aprendiz del pintor Simone Peterzano (c. 1540-1596), con quien continuó la tradición del manierismo.
Fue durante este período cuando se jugó el destino de un artista llamado a convertirse en revolucionario. A los veinte años, se fue a probar suerte en la Roma de los papas y mecenas. Tuvo un comienzo difícil allí, compartiendo la vida de las personas de las que tomaba prestados sus modelos, especialmente la de los niños pequeños que a veces invitan a una lectura erótica de su obra. Acogido en el estudio de Giuseppe Cesari, conocido como el Cavalier d’Arpin, pintor y decorador también manierista, ejecuta flores y frutos. Sin embargo, la abandonó y se trasladó a la casa del cardenal Francesco dal Monte, protector de los artistas.
2. El promotor de un estilo
Renueva temas seculares, como el de Baco en su Baco enfermo (hacia 1593) y en su Baco adolescente (1597), que sirve de pretexto para una acumulación de productos naturales y objetos cotidianos; amor victorioso (alrededor de 1598) se considera, no sin razón, como una parodia de un motivo querido por Miguel Ángel.
Sin establecer una jerarquía de valores en los múltiples aspectos de la realidad que nutren su inspiración, Caravaggio trata un tema religioso como Descanse en la Huida a Egipto (1595-1596) a la manera de un tema trivial como el adivino (alrededor de 1594). Rompiendo definitivamente con la pintura de género anterior, hizo su Cesta de frutas (1597-1598), con una verdad viva y tangible, único motivo de un cuadro que se considera el primer bodegón moderno.
3. Un importante punto de inflexión
Estas obras marcan un importante punto de inflexión en su itinerario. Reflejan una crisis de conciencia que empuja al pintor a cuestionar los méritos de su interpretación realista de cualquier acontecimiento, incluso sagrado. Buscaba, por tanto, un nuevo lenguaje que pudiera justificar las libertades que necesariamente conllevaba esta interpretación con respecto a la iconografía consagrada por la tradición y reconocida por la Iglesia.
4. El maestro del luminismo
Este, que proviene de una fuente lateral externa a la pintura, ilumina los elementos esenciales de la composición obedeciendo no a leyes ópticas, sino a las exigencias del artista. La escena se sumerge entonces en un claroscuro que la dramatiza: es la afirmación del “luminismo” caravaggesco, que se encuentra en las antípodas de la tradición cromática de los grandes maestros del xvimi s.
Aún más intensas que las anteriores, las composiciones tituladas la crucifixión de san pedro y la Conversión de San Pablo (1600-1601) son fruto de una profundización de los temas religiosos, que se expresa en un realismo llevado al extremo (por ejemplo, la grupa del caballo en primer plano de la Conversión de San Pablo) y por una evolución del claroscuro enfatizando el fondo negro.
En este mismo linaje están los Entierro (1602-1604) y Nuestra Señora de los Peregrinos (1603-1605). Entonces la oscuridad invadió cada vez más las pinturas, convirtiéndose en el símbolo mismo de una lucha contra la oscuridad (Muerte de la virgen, 1605-1606; desde San Jerónimo, 1605 y 1606).
5. El pintor chico malo
La vida de libertinaje y violencia que lleva Caravaggio en los barrios marginales de Roma contrasta marcadamente con la carrera de un pintor bien en la corte con el pueblo de la Iglesia y tan ardientemente apegado al tema religioso. Ya sea que la leyenda agregue o no, se da fe de que tuvo problemas con la policía papal. De hecho, se han encontrado rastros de los procesos judiciales en su contra.
Siempre con la espada al costado, no es el último en jugar a espadachines y, aunque tratado con indulgencia, prueba la cárcel en varias ocasiones. En 1606, fue culpable de un crimen cuando, peleando con el joven Ranuccio Tomassoni, lo mató.
6. El artista nómada
Buscado por este asesinato, Caravaggio debe abandonar Roma. Huyó a Nápoles. Probablemente fue durante su vuelo que pintó un Comida en Emaús desarrollándolo sobre el esquema de una escena de taberna donde cada personaje emerge de la oscuridad gracias a una iluminación individual que captura los sentimientos en el lugar. Llegado a Nápoles en 1607, trabajó febrilmente en muchas obras que hoy están parcialmente perdidas. Entre los que quedan se encuentran las famosas Siete Obras de Misericordia.
En 1607-1608, Caravaggio estuvo en Malta, donde se puso al servicio de los Caballeros de la Orden de Malta (Retrato de Alof de Wignacourt, Decapitación de San Juan Bautista y San Jerónimo), antes de verse obligado a huir nuevamente. Luego aterrizó en Sicilia en octubre de 1608, luego regresó a Nápoles al año siguiente. Durante sus andanzas, produjo obras maestras como el Funeral de Santa Lucía, los Resurrección de Lázaro y elAdoración de los pastores, la Natividad y, sin duda, San Juan Bautista. Fiel a su apego a los aspectos más humildes de la vida cotidiana, Caravaggio da, en sus últimas obras, la versión más espiritualizada, que se refleja en un trazado todo de sobriedad y nobleza.
Decidido a regresar a Roma, el pintor, de 38 años, llega a Porto Ercole por mar. ¿Fue arrestado por error cuando se bajó del barco y luego fue liberado? Aún así, despojado de todo, quemado por el sol y con paludismo, murió en esta playa del Lazio. La unanimidad de los historiadores del arte nunca se ha logrado en todas las obras que deben atribuirse a Caravaggio. Si éste no tiene discípulo directo, tendrá en cambio una inmensa posteridad.
7. Resumen
El siglo XVI dio a conocer un número importante de artistas pertenecientes al Renacimiento. Pero el final de este siglo también inició el Barroco que se originó en Italia y tuvo como algunas características, el refinamiento, el refinamiento y la exageración de los adornos, valorando la luz y la sombra y los colores oscuros. Entre las figuras más llamativas del Barroco, se encuentra el pintor Caravaggio.
El 29 de septiembre de 1571, nació en Milán, Italia, Michelangelo Merise, quien adoptó el nombre de Caravaggio, que se hizo conocido mundialmente, debido a la comuna italiana en la que vivió a los cinco años. A esta misma edad, Caravaggio perdió a su padre y en la adolescencia pasó a trabajar como aprendiz en el estudio de la pintora Simone Pertezano, ya había sido aprendiz de otro gran pintor, Tiziano. Años más tarde, el pintor se dirigió a Roma y, en difíciles condiciones económicas, pasó a trabajar en el estudio del pintor Giuseppe Cesari. Dos años después, el artista abandonó el taller de Cesari para invertir en su carrera buscando un estilo propio de pintura influenciado por los altos niveles artísticos y culturales de Roma. En este período creó su primera gran obra Los jugadores de cartas.
“El laudista” – Michelangelo Caravaggio. Foto: IgorGolovniov / Shutterstock.com
A partir de entonces, su obra comenzó a ganar visibilidad y en 1599 fue contratado por el cardenal Del Monte para decorar los muros de la Capilla Contarelli. A principios del siglo XVI, Caravaggio ya era un pintor cotizado y pintó varias iglesias, capillas y catedrales en ciudades de Italia como Roma, Nápoles y Malta.
Su vida social, sin embargo, estuvo llena de peleas y discusiones debido al temperamento explosivo de Caravaggio. Estas luchas resultaron en cambios de ciudad y desalojos de Italia. En 1606 en Roma, en una de estas peleas, acabó matando a un hombre en una pelea originada por una apuesta de juego, lo que provocó que el artista abandonara esta ciudad, huyendo a Malta y vagando de Malta a Nápoles y Silicica donde continuó. involucrarse en otras confusiones hasta su expulsión. Regresó a Malta años después tras obtener el perdón del Papa Pablo V.
Sus obras a menudo tenían temas religiosos, pero en 1062 Caravaggio pintó su primer lienzo que escapaba a ese tema: El triunfo del amor. Pero el tema religioso fue recurrente en sus obras que retrataron personajes bíblicos, especialmente María y Jesús. Para Pintta los Caravaggio se basó en rostros corrientes que encontraba en las calles. El pintor prefirió utilizar pocos colores y pintura aplicada en finas capas, además de un fuerte realismo dramático para pintar sus obras, atenuando los rostros de sus personajes con una iluminación en contraste con un fondo oscuro que les daba viveza. Caravaggio supo utilizar magistralmente los efectos de luces y sombras.
Entre sus principales obras se encuentran: La cena en Emaús; David con la cabeza de Goliat; Deposición de Cristo; El joven Baco; Entierro; La virgen de Loreto; y La muerte de la Virgen.
Caravaggio murió de malaria cerca de su 40 cumpleaños en Porto Ercole en Italia. Aunque joven, sus obras tenían una calidad encantadora presente en las obras de un genio de la pintura. Se les conoce como Caravaggisti, los que a principios del siglo XVII imitaron el estilo de Caravaggio.
Principales obras
Caravaggio produjo varias obras, de las que destacan las siguientes:
Bazo
Narciso
Medusa
los tramposos
La Cena de Emaús
Judith y Holofernes
Los musicos
El jugador de laúd
La Flagelación de Cristo
La vocación de San Mateo
El éxtasis de San Francisco de Asís
San Francisco de Asís en meditación
David con la cabeza de Goliat
La decapitación de Juan el Bautista
Crucifixión de san pedro
Características de las obras
Con un estilo único, Caravaggio expresó un fuerte realismo en sus obras. Gran parte de sus obras prevalecen sobre temas religiosos y mitológicos.
Utilizó juegos de luces y sombras, una técnica típica del estilo barroco llamada “claroscuro” (en italiano, claroscuro)
Así, el fondo de sus obras estaba compuesto por colores oscuros que a menudo confundían a los espectadores.
O “tenebrismo”Es el nombre que se le da a esta técnica en la que utilizó la luz y el color en primer plano sobre un fondo oscuro.
Esta característica presente en la obra de Caravaggio, ofreció un aire oscuro y mayor dramatismo a los personajes retratados.
Por lo tanto, el enfoque principal del artista fue expresar el rostro y los sentimientos de las figuras retratadas. La gran pregunta es que produjo obras con un enfoque en los aspectos mundanos, es decir, sin grandes idealizaciones. Le gustaba representar a las personas tal como eran y cómo las veía en las calles de Roma.
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