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Cineasta y actor estadounidense (Brooklyn, Nueva York, 1935).
Woody Allen es el principal director de comedia de los últimos treinta años. Habiendo superado la condición de animador número uno, irá accediendo paulatinamente al panteón de autores. filósofos el más original de su tiempo.
El don de la escritura
Este autodidacta del barrio se convierte rápidamente en un intelectual neófito y aprende a sacar provecho de sus gags (50 por semana por 100 dólares), que le permiten matricularse en la universidad, luego en el New York College, del que rápidamente se le excluye. A los 19, vendió sus gags a NBC, se casó y entró en análisis. Su don innato para escribir frases sencillas (chistes de una sola línea) le hace ganar hasta $ 1,500 por semana; escribe parodias para el Espectáculo de espectáculos de Sid Caesar, también escrito por Mel Brooks, Neil Simon y Carl Reiner.
Convertido en solista de cabaret, actúa en universidades, en televisión y en giras. En 1964, el productor Charles Feldman lo vio en Blue Angel y le pidió que reescribiera el guión de What’s New, Pussy Cat? y lo lleva a Europa, incluso dándole un pequeño papel con Peter Sellers. Luego interpreta al sobrino de James Bond en Casino Royale, que también remodela. Pero este médico de guiones tiene otras ambiciones: escribe una obra de teatro, No bebas el agua, que triunfará en Broadway, un guión original y comienza a colaborar en Neoyorquino.
Imaginación desenfrenada
Se abre paso en el cine mediante una operación de desvío: retrocede y comenta muy libremente, en una especie de collage, una película china de Hong Kong, apropiándose de la materia prima y reinventándola: es Lily the Tigress (¿Qué pasa, Tiger Lily?, 1966), de la que solo realizó unos pocos planos, pero que ya participa de su imaginación. Luego se propone conquistar el escenario con su segunda obra, Tócala de nuevo, Sam, 1969 (historia de un amante tímido que le pide consejos al fantasma de Humphrey Bogart) y la pantalla con su primera producción, Toma la acedera y dispárate a ti mismo (Toma el dinero y corre, id.), comentario burlesco sobre la delincuencia. El universo de Woody Allen ya está prácticamente definido, solo queda que florezca y se profundice.
Aprendió su oficio y progresó técnicamente de Banano (1971) a Todo lo que siempre quisiste saber sobre el sexo pero nunca te atreviste a preguntar (Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo pero tenía miedo de preguntar, 1972) y Woody y los robots (Durmiente, 1973), pasando del panfleto político a la escandalosa fantasía sexual y la parodia de la ciencia ficción. También evoluciona de la dirección descuidada y la imagen incierta a un plástico dominado, una mejor dirección de actores, un nivel superior del escenario. Cuando viene a París para rodar Guerra y amor (Amor y muerte, 1975), que sigue siendo una de sus películas favoritas, ya se ha convertido en un maestro de su lenguaje y de sus ambiciones. Amor y muerte, una comedia sobre el miedo a la muerte, revela inquietudes metafísicas e intelectuales que anticipan lo que será su trilogía autobiográfica.
Entre la introspección y la comedia
Annie Hall (1977) abre la crónica de un escritor de Manhattan y el diario privado de Woody, recapitulando su relación adulta y catártica con Diane Keaton (quien compartió su vida después de su amistoso divorcio con su segunda esposa, Louise Lasser). Woody se expresa aquí sobre todos los temas, y finalmente asume plenamente esta personalidad de hombre equilibrado, capaz de complacer a las mujeres y de llevar una moral liberadora, no machista, frente a las ambigüedades de su profesión, el mundo del espectáculo, integrando armoniosamente su pasado a su futuro. Tras una experiencia transitoria, la deInteriores (Interiores, 1978), película totalmente trágica en la que Allen, cediendo a su admiración por Ingmar Bergman, renuncia momentáneamente a toda comedia, amplió su autoexamen en Manhattan (1979), homenaje que rindió a su ciudad favorita, fuera de la cual no puedo vivir.
Stardust Memories (1980) es un nuevo acto de independencia de Woody, una declaración altamente individualizada de un comediante que descubre los límites del humor en una vida moderadamente comprometida. Woody Allen definitivamente cambia la apreciación que teníamos ante él del actor cómico presuntamente inocente y sexualmente inadecuado, al igual que pretende descubrir las razones profundas de la comedia, sus límites morales, su función terapéutica y su nivel liberador. En 1982, en un espectáculo de Bergmano-Shakespeare, Comedia erótica de una noche de verano (Comedia sexual de una noche de verano), reemplaza su universo en los vientos coulis de estos exuberantes veranos donde la magia acecha el follaje por la noche, ridiculizando a los humanos a través de su mareo. Como maestro pedante, José Ferrer interpreta el papel de esas navajas sin espinas encarnadas en Bergman por un Gunnar Bjornstrand, y Woody el de un manitas Merlín mezclado con un erudito excéntrico, cuyos caprichosos artilugios a veces juegan con la clarividencia. Zelig (1983), que recibe una acogida triunfal, es una reflexión sobre el cine, un cuento borgesiano donde Woody Allen inventa desde cero un personaje histórico imaginario y se divierte parodiando los medios de preguerra, en un lienzo digno de una patraña piraña, mezclando ubicuidad con psicoanálisis y amor triunfante. Broadway Danny Rose (1984) marca un regreso al espíritu cómico de sus primeras películas. Allen interpreta a un sórdido personaje empresario involucrado en el mundo de los gánsteres.
Intensamente activo, en 1985 firmó la Rosa Púrpura de El Cairo (La rosa púrpura de El Cairo) donde al describir la pasión amorosa de una camarera de bar por un personaje de la pantalla (y el actor que interpreta el papel) mezcla hábilmente lo onírico y lo real. En la tradición deInteriores, encontramos un parentesco bergmaniano, incluso chejoviano, en Hannah y sus hermanas (Hannah y sus hermanas, 1986) una cálida saga familiar, septiembre (id., 1987) una puerta cerrada con seis personajes en busca de ellos mismos y de los demás, Otra Mujer (Otra mujer, 1988), una sátira agridulce del psicoanálisis. Entre dos trabajos de gravedad sonriente, Woody Allen dispara películas más ligeras como Días de radio (id., 1987) donde acumula una serie de bocetos empañados de nostalgia «retro» o como Naufragios de Edipo, uno de los episodios de Historias de Nueva York (id., 1989, los otros dos episodios están dirigidos por Scorsese y Coppola).
En 1989 dirigió Delitos y faltas (Delitos y faltas), en 1990 Alice donde Mia Farrow ocupa (por tercera vez bajo su dirección) un papel importante, y, en 1991, Ombres et brouillard (Sombras y Niebla). Estas tres últimas películas dan testimonio de una inspiración que se renueva y amplía constantemente. Delitos y faltas, sin duda la experiencia más exitosa, oscurece la ligereza de Allen en una intriga con múltiples hilos, uno de los cuales, como hecho nuevo, es criminal. Alicia utiliza lo maravilloso (una secuencia de levitación exquisita) y la conciencia humanitaria (el rostro inquietante de una niña india, ciega y sonriente, cierra la película). Sombras y niebla evita la referencia cultural a pesar de una llamativa recreación plástica del universo en blanco y negro del expresionismo.
Bajo la ligereza, la gravedad
Maridos y esposasMaridos y esposas, 1992) vuelve a una intriga conyugal y neoyorquina, en un estilo engañosamente desordenado que toma prestado de la tardía New Wave. Pero el interés de la película va mucho más allá de este simpático pastiche: se trata de uno de los éxitos más mordaces, quizás el más doloroso, de Allen en el campo de la introspección. El cineasta, en lo más alto de sus posibilidades, se afirma allí como un director de actores de alto calibre: Sydney Pollack y Judy Davis acampan allí a una pareja inolvidable, divertida y conmovedora, a la deriva de unos cuarenta años. Esta película, que algunos han recibido como psicodrama, también ve el final de la colaboración, tanto artística como conyugal, con Mia Farrow. Diane Keaton la reemplaza en Mysterious Murder in Manhattan (Misterio de asesinato de Manhattan, 1993): Allen parece querer redescubrir sus cualidades como » artista »Y firma una comedia policíaca que es sin duda su mayor éxito puramente cómico en mucho tiempo.
La comedia es igualmente mordaz y devastadora en los deslumbrantes Shots on Broadway (Balas sobre Broadway, 1994): esta inesperada mezcla de película de gánsteres y Broadwayenne pochade adquiere una reflexión seria y, a menudo, amarga sobre la creatividad y la integridad artística. Woody Allen aparece ahora como un gran cineasta que combina un pensamiento profundo y original con una forma de rara elegancia. Sin embargo, algunos lo han criticado por volver a una comedia más superficial y tradicional con Ladrones pero no demasiados (Ladrones de poca monta, 2000) lo que le permitió recuperar el favor del público estadounidense.
Después de la maldición del escorpión de jade (2001), Hollywood Ending (id.) Y Melinda y Melinda (2004), renovando los lugares de su inspiración, el cineasta inicia un ciclo de películas europeas, rodado en Gran Bretaña (Punto decisivo, 2005; Cucharón, 2006) y en España (Vicky Cristina Barcelona, 2008). En 2009, al encontrar Nueva York, entregó Lo que sea que funcione, una fábula teñida de optimismo en la que resplandece su manifiesto placer por dirigir a los actores y filmar la historia que le agrada, con total libertad.
Woody Allen también actuó como actor en Caen chicas y cállate (H. Ross, 1972), de su propia obra Tócala de nuevo, Sam, el nominado (M. Ritt, 1976) y Escenas domésticas en un centro comercial. (P. Mazursky, 1990).
