Películas

• Guión: Woody Allen, Marshall Brickman
• Fotografía: Gordon Willis
• Decoración: Mel Bourne
• Música : George gershwin
• Ensamblaje: Susan E. Morse
• Producción: Jack Rollins, Charles H. Joffe (Artistas Unidos)
• País : Estados Unidos
• Fecha de lanzamiento : 1979
• Su : en blanco y negro
• Duración : 1 h 36

Abstracto

El guionista Isaac Davis tiene dos amores: Nueva York, a la que idolatra en todos los tonos, y Tracy, una adolescente cuya franqueza y espontaneidad esconden una madurez temprana. Asustado por sus fracasos matrimoniales (su segunda esposa, Jill, lo dejó recientemente por … otro), Isaac duda en comprometerse con Tracy y trata de persuadirla de que es demasiado joven para ganarse la vida con él.

Yale, el mejor amigo de Isaac, tiene un romance discreto y lleno de acontecimientos con una reportera, Mary. Isaac estaba irritado por el elitismo y las pretensiones intelectuales de esta joven provinciana, pero pronto descubrió en ella un encanto y una fantasía irresistibles. Cuando Mary rompe con Yale, Isaac reemplaza a su amiga, con la bendición de esta última. Comienza un romance prometedor, pero Mary se enamora de nuevo de Yale. Después de unas semanas de soledad, Isaac finalmente comprende lo que Tracy le ha traído y decide recuperarla.

Observación

Una crónica lírica

Nueva York es la ciudad favorita de Woody Allen, su constante fuente de inspiración. Mucho más que un escenario, define un marco social, personajes específicos y folclore. Su diversidad, sus riquezas inagotables se prestan idealmente a la forma de la crónica, de la que Manhattan es uno de los ejemplos modernos más completos.

Manhattan es ante todo una celebración lírica de la vida de Nueva York, una serie de imágenes montadas sobre los ritmos eufóricos de Gershwin. Es, con Radio Days, la mayor película «musical» de Woody Allen, y la primera en la que florecen con total libertad los múltiples componentes de su cine: el humor -el revés de una angustia incurable y fecunda-, el gusto por el aforismo , la sátira de la intelectualidad, la pasión por la introspección, la ternura, la nostalgia, la perplejidad frente a las cosas del amor y una disposición inesperada, pero muy real, a la felicidad.

Todo esto se equilibra en una construcción armoniosa donde el presencial, secuencias de edición, viñetas y escenas grupales se alternan con facilidad. Después de cada episodio, Allen mantiene un “respiro” que le da a sus héroes la oportunidad de evolucionar, cuestionarse a sí mismos, alejarse unos de otros, descubrir sus dependencias mutuas. La gran pantalla (una novedad para el cineasta) permite particiones sutiles del campo visual, encerrando a los protagonistas en su propio espacio, su propia subjetividad. La carrera final de Isaac hacia Tracy rompe estas barreras en una coda triunfal: filmada en general, en largas tomas de seguimiento de lado, es como una inmensa bocanada de aire: después de mucha procrastinación, un hombre corre hacia quien lo ha atrapado. Confianza aprendida …

• Guión: Yoshikata Yoda
• Fotografía: Yoshimi Hirano
• Decoración: Hiroshi mizutani
• Música : Ichiro Saito
• Ensamblaje: Toshio Goto
• Producción: Shintoho (Tokio)
• País : Japón
• Fecha de lanzamiento : 1952
• Su : en blanco y negro
• Duración : 2:23 a.m. (versión completa), 1:58 a.m. (versión en francés)
• Premio : León de plata, Venecia 1952

Abstracto

La primera secuencia en la penumbra revela a una mujer prematuramente envejecida, vista con mayor frecuencia desde atrás. Luego viene un largo flashback, hace veinte años, que rastrea las etapas de su degradación. Hija de una familia aristocrática, tuvo una historia de amor con un joven de clase baja. Después de la ejecución de su amante, se casará con un rico comerciante que la repudiará después de que ella le haya dado un heredero. Luego será vendida como prostituta por su padre antes de ingresar al convento.

Observación

Un clasicismo sereno

La vida de O’Haru es una obra clave en la carrera de Kenji Mizoguchi y la película que más apreciaba. Después de ocho películas realizadas durante la ocupación estadounidense (que terminó en 1950) y que lo dejaron insatisfecho, marcó el inicio de una larga serie de obras maestras y su reconocimiento internacional. Declarando que ningún artista alcanza la grandeza antes de los cincuenta años (él tiene cincuenta y tres en el momento de la filmación O’Haru), deja de beber y aborda la adaptación de una novela picaresca clásica de la literatura japonesa xvii^mi siglo, la vida de un amigo del placer (Kôshoku ichidai onna) por Ihara Saikaku. En los pocos años anteriores a su muerte en 1956, firmó otras obras maestras, incluido el Intendente Sanshō (Sansho dayū, 1954) y Tales of the Wave Moon (Ugetsu Monogatari, 1953) también adaptado de dos cuentos publicados en xviii^mi siglo por Ueda Akinari.

La amplitud de la historia (143 minutos en la versión japonesa completa) hace O’Haru una obra abundante y, sin embargo, refinada, en la que el cineasta nos introduce en todos los estratos de la sociedad medieval japonesa identificando claramente el destino intelectual de su heroína. Mizoguchi está confirmado en O’Haru como el pintor de mujer cuyo sufrimiento y humillación canta con lirismo dentro de una sociedad patriarcal. El reducido número de tomas (197 en total) se une a un virtuosismo de la cámara que, en largos y sinuosos movimientos, sigue la dolorosa odisea de O’Haru.

Los planos generales favorecidos por el cineasta mantienen una distancia de la acción, suprimen cualquier emoción fácil y solo hacen más fuerte la catarsis final. Según Saikaku, O’Haru es destruida desde dentro por su inmoderado gusto por el sexo. Mizoguchi abandona el tono irónico del original y muestra más las limitaciones externas, adoptando el tono elegíaco, el clasicismo sereno que ahora será su seña de identidad y que contrasta con su investigación formal más radical y la crítica política más mordaz de algunos de sus primeros. funciona.

La película fue un desastre comercial, pero nuevamente atrajo el favor de la crítica japonesa hacia él, lo que le permitió firmar un contrato con la empresa Daiei y realizar ocho películas libremente en los últimos cuatro años de su vida.

• Guión: Al Boasberg, Charles Smith, después de B. Keaton, C. Bruckman, William Pittenger
• Fotografía: J. Devereux Jennings, Bert Haines
• Decoración: Fred Gabourie
• Ensamblaje: J. Sherman Kell, Harry Barnes
• Producción: Artistas Unidos
• País : Estados Unidos
• Fecha de lanzamiento : 1926
• Su : en blanco y negro
• Duración : 2.287 m (alrededor de 1 h 47)

Abstracto

Johnnie Gray tiene dos amores: su locomotora, la General, y su novia, Annabelle Lee. Cuando estalló la Guerra Civil, no pudo unirse al ejército del sur: fue más útil en su profesión. Annabelle y su familia creen que es un cobarde y lo rechazan. Un año después, cuando la joven se acerca a la cama de su padre a bordo del tren conducido por Johnnie, los espías del norte roban el convoy. Johnnie luego va en busca de Annabelle y el General, justo en el corazón de las líneas del norte. Allí, descubre los planes del enemigo, recupera a una joven y una locomotora, salva a la Confederación y trae de vuelta a un prisionero general del norte: la gloria y el amor lo recompensan.

Observación

Un mecanismo de relojería

Considerada con razón como la obra maestra de Keaton, incluso del cine burlesco, esta película se basa en hechos auténticos, narrados dramáticamente por un soldado norteño. Una escrupulosa preocupación por la verdad histórica y una puesta en escena de una magnitud digna de Griffith le confieren un acento de autenticidad poco común en el género: la guerra no es un telón de fondo, sino una parte integral de la acción, de la misma manera que el patriotismo de Johnnie es inseparable de sus amores. El perfecto rigor del guión, con su viaje de ida y vuelta completamente simétrico, confirma la concepción estética del cineasta: “Una película de cómic se ensambla con la misma precisión que los engranajes de un reloj”. Es obra tanto de un arquitecto como de un coreógrafo. Esta geometría en el espacio y el movimiento que es la puesta en escena de Keaton encuentra aquí su mayor grado de logro. Los principios de trayectoria y desplazamiento que están en el corazón de la comedia y la mordaza keatonianas se extienden naturalmente en la doble ruta que estructura la película. El realismo del punto de partida y de la reconstrucción histórica (incluido el rechazo de cualquier foto de estudio, lienzo pintado o transparencia) impiden que este mecanismo se convierta en una abstracción secante: las bromas y las situaciones siempre provienen de la acción combinada del movimiento del cuerpo del actor. o sus vehículos (locomotoras, draisine, vagones, cañones, etc.) y elementos naturales. Si los gags se responden entre sí, su comicidad se refuerza con sutiles variaciones que solo aumentan nuestro placer con cada visión.

Un remake «serio» fue producido por:

– Francis D. Lyon, titulado La persecución infernal (La gran persecución de locomotoras), con Fess Parker, Jeffrey Hunter, Jeff York.

• Guión: Moss Hart, de un guión anterior de Dorothy Parker, Alan Campbell y Robert Carson
• Fotografía: Sam leavitt
• Decoración: Gene Allen, Malcolm Bert y George J. Hopkins
• Música : Harold Arlen, Ira Gershwin
• Ensamblaje: Folmar Blangsted
• Producción: Sid Luft (Transcona), Warner Bros
• País : Estados Unidos
• Fecha de lanzamiento : 1954
• Su : colores
• Duración : 3:02 reducido a 2:20

Abstracto

Un gran actor, que se ha hundido en el alcoholismo, se enamora de una estela de miseria. Lo convertirá en una estrella y morirá.

Observación

Iconoclasta

Remake de una película promedio de William Wellmann, Ha nacido una estrella Era, antes del rodaje, el tipo de proyecto del que Hollywood tenía el secreto: producir la crítica sonriente de los efectos, sin tocar la causa, la caja fuerte, que se esperaba al contrario rellenar en esta ocasión.

Por eso esperábamos al cantante estrella y al simpático director de ¿Qué precio Hollywood? (1932), que no tuvo igual en añadir las escenas sabiamente sarcásticas, pero nunca desencantadas, una especie de variación pigmaliónica y, en el mejor de los casos, agridulce, del mito de Orfeo y Eurídice.

Pero la conjunción de azar y experiencia lo decidió de otra manera. El rostro de una mujer, aquí Judy Garland, cuya fragilidad podemos sentir constantemente el volcán humeante, y el talento de un tirador de sombras, que de repente ya no se preocupa por los límites, trastornó el plan inicial.

De hecho, descender a los infiernos en lugar de ascender al paraíso, Ha nacido una estrella, dando la espalda a la mitología farsa, volvió su atención a la batalla, siempre perdida, de la vida contra la muerte, de Eros contra Tánatos.

Deslumbrante fue la reacción: cortar y volver a cortar, la película fue masacrada. Incluso se dice que los productores destruyeron parte del negativo. En otras épocas, habríamos quemado a Cukor y a sus desafortunados artistas, en particular a James Mason, quien alegremente burla los valores que constituyen Hollywood, hasta la ceremonia de los Oscar.

Como se presenta a nuestros ojos deslumbrados, Ha nacido una estrella, La estatua mutilada, sin embargo, conserva todo su magnetismo iconoclasta, pues las tijeras del censor no pueden hacer nada contra los repentinos estallidos del corazón. No corte lo sensible ni corrompa lo emocional. A menos que, pero el cine se mueva al revés de la foto, para “limpiar” las tomas mismas.

Como dice la canción, y seguimos pensando en ello mientras James Mason sale de la casa, donde inventó a Judy Garland, para ahogarse en el océano: En algún lugar hay alguien. Alguien está ahí en alguna parte. La película de Cukor, al apuntar a este dogma, evita que la industria cinematográfica lo devore. Por supuesto, el espectáculo continúa, pero nadie se deja engañar. Ni Cukor, que nunca se recuperará, ni Garland, que pronto se hundirá en la locura. Con todo, cuando no haces trampa, pierdes. ¡Fábrica de sueños delgada!

• Guión: Luchino Visconti, Suso Cecchi d’Amico, con la colaboración de Giorgio Prosperi, Carlo Alianello, Giorgio Bassani, basado en el cuento de Camillo Boito
• Fotografía: GR Aldo, Robert Krasker
• Decoración: Ottavio Scotti
• Música : Sinfonía n. ° 7 de Anton Bruckner y el Trouvère por Giuseppe Verdi
• Ensamblaje: Mario serandrei
• Producción: Película Lux
• País : Italia
• Fecha de lanzamiento : 1954
• Su : colores
• Duración : 2:05

Abstracto

1866, en Veneto. Se multiplican los actos de resistencia contra el ocupante austríaco. El logro de la unidad de Italia parece a la vista y el pueblo está dispuesto a rebelarse. Pero la aristocracia está dividida: si algunos son indiferentes, o simplemente oportunistas, otros colaboran. Otros más están del lado de los patriotas, como la condesa Livia Serpieri y su primo Roberto Ussoli, mientras que el conde, su marido, que es un cobarde, está vinculado a los austriacos pero dispuesto a ponerse del lado de los vencedores. En el teatro Fenice, una representación de Encontrar se vuelve hacia la manifestación nacionalista. Roberto desafía a un duelo a un teniente austríaco joven y enérgico, Franz Mahler. Queriendo intervenir, Livia se enamora de él, quien se aprovecha de ella y luego lo abandona. Cuando estalla la guerra, los Serpieri se refugian en su villa en el campo. Una noche, Franz viene a buscar a Livia y le pide la suma que le permitirá reformarse. Luego le entrega el dinero que los patriotas le habían confiado. Siendo incierto el resultado de la batalla de Custozza, Livia, para no perder a su amante, se une a Verona. Encuentra a Franz revolcándose en el vicio y el cinismo, que la abruma con su sarcasmo. Luego lo denuncia ante el comandante austríaco, como desertor. Franz recibe un disparo. Mientras Livia deambula como loca por las calles de Verona, los austriacos celebran su victoria.

Observación

«Amar, incluso demasiado, incluso mal»

“Senso”, literalmente, designa tanto la vida de los sentidos como el sentimiento de las cosas. Visconti lleva aquí los sentidos y los sentimientos al colmo de la pasión. El interés de la desdichada historia de la condesa Serpieri, su carácter ejemplar, es que arde por un ser vil, débil y mediocre, indigno en todos los puntos de su amor, y por quien sin embargo sacrifica su ideal. De modo que la pasión adquiere toda su dimensión; el de la locura, el del absurdo, el del consumo autodestructivo.

Desmitificando el romanticismo dichoso, Luchino Visconti envuelve, sin embargo, esta ridícula tragedia en una suntuosa reconstrucción histórica, con imágenes extravagantes, que adquiere inmediatamente la escala y la resonancia de una ópera. De un extremo al otro, Senso juega en ambos lados: el del esplendor estético y el de la amargura moral. Por un lado, un verdadero himno a la belleza que se despliega a través de la elección de los actores Alida Valli y Farley Granger, la composición pictórica de cada plano, el cuidado extremo de los decorados y el vestuario, hasta el gran espectáculo magníficamente masterizado. Batalla de Custozza. Por otro, obra de un moralista desilusionado, que describe la ruta de la pasión como un declive inexorable, donde triunfa la traición, la cobardía, el desprecio y el disgusto.

La lucidez moral y política de este discurso, por poco comercial que fuera (en este sentido, Senso fue un medio fracaso), atraviesa la pompa engañosa de la forma, dando una modernidad asombrosa a lo que queda, en el sentido literal de la palabra, como un melodrama sublime.

• Guión: Jacques Rivette y sus intérpretes, Eduardo De Gregorio
• Fotografía: Jacques Renard
• Música : Jean-Marie Senia
• Ensamblaje: Nicole Lubtchansky
• Producción: Películas de Losange
• País : Francia
• Fecha de lanzamiento : 1974
• Su : colores
• Duración : 3 h 12

Abstracto

Dos jóvenes se encuentran en París: Julie, racional y fría, Céline, excéntrica y hasta mitómana. Céline se ha inventado una existencia mágica para sí misma, y ​​poco a poco lleva a Julie a la realidad de esta existencia (gracias al aparejo cinematográfico más básico). A mitad de la película, Julie querrá utilizar los “poderes” con los que ahora está dotada para encontrar su propia infancia, ubicada en una misteriosa casa suburbana, que no estará exenta de riesgos. Mientras tanto, habrán conocido personajes más o menos extraños, del mundo obsesivo del cineasta y una creación casi del día a día. La conclusión, por así decirlo, expone la posibilidad de reiniciar la película.

Observación

El prestigio del espejo

El título recuerda un acertijo: uno cae del barco, el otro se queda. Los dos intérpretes, que crearon la película con Rivette, son intercambiables (como en medio de un río) o más bien la película es la historia de este intercambio: Juliet se convierte en Julie y viceversa.

Con Céline y Julie, Rivette continúa en ciertos aspectos la empresa del “cine infinito” iniciada el año anterior con Out one: se trata de explorar todas las variaciones de una situación inicial intercambiando personajes e incidentes. La más simple de estas variaciones es el espejo: cualquier reflejo equivale a un cruce. Dentro Céline y Julie, donde se aplica el mismo principio de manera divertida, todo es doble, incluso en el hecho de que los intérpretes actúan en gran medida para el público (como en el teatro) mientras los personajes interpretan sus vidas (como suele ocurrir en el cine). Sin embargo, salvo en algunas escenas, no se trata de una auténtica improvisación: todo ha sido escrito y ensayado, sin olvidar la seguridad de los lugares, ni la belleza o el humor de los «escenarios naturales».

Formas gastadas del espectáculo (conjuro, circo, striptease, «casas embrujadas» donde son los fantasmas los que aplauden …) Celine y Julie dibuja una seducción y un encanto en el humor que no es paródico, como la niña (obviamente de Lewis Carroll) que reparte caramelos mágicos en el momento oportuno.

• Guión: Grigory Kozintsev, Boris Pasternak, basado en la obra de Shakespeare
• Fotografía: Ionas gricioso
• Decoración: Yevgeny Enei, Georgi Kronachev
• Música : Dmitry Shostakovich
• País : URSS (Rusia)
• Fecha de lanzamiento : 1964
• Su : colores
• Duración : 2 h 32
• Premio : Premio especial, Venecia 1964

Abstracto

La tragedia de Shakespeare, ya llevada muchas veces a la pantalla, enriquecida con los diálogos del refractario escritor Boris Pasternak e interpretada por un ex deportado de Siberia en el papel de Hamlet.

Observación

La originalidad de esta decimoséptima adaptación cinematográfica de Aldea (según la estimación de los especialistas) se debe principalmente al enfrentamiento del pasado (Dinamarca, en el año 1600) y el presente (Rusia soviética en 1960). El director, de hecho, no duda en «modernizar» a Shakespeare a su manera: Hamlet cuestiona los peligros del poder absoluto. Los viejos demonios del culto a la personalidad, finalmente exorcizados, pero que el autor de la Trilogía Máximo había cultivado en su tiempo, acechan la película, tanto como la memoria de las purgas estalinistas … A nivel estético, la obra se baña en un verdadero esplendor decorativo, que se encontrará, quizás más purificado, en la última película de Kozintsev, El rey Lear.

Ver también Ofelia.

Entre las cincuenta más o menos otras adaptaciones:

– el duelo de Hamlet, de Clément Maurice, con Sarah Bernhardt.

• Guión: Charles Brackett, Billy Wilder, DM Marshman Jr.
• Fotografía: John F. Seitz
• Decoración: Hans Dreier, John Meehan
• Música : Franz Waxman
• Ensamblaje: Doane Harrison (supervisora), Arthur Schmidt
• Producción: Charles Brackett
• País : Estados Unidos
• Fecha de lanzamiento : 1950
• Su : en blanco y negro
• Duración : 1 h 50

Abstracto

Hollywood, 1949. Joe Gillis, guionista sin un centavo, acepta la hospitalidad de una antigua gloria de los silenciosos, Norma Desmond, que vive recluida en Sunset Boulevard. Norma le confía una adaptación de Salomé con lo que espera hacer su regreso a las pantallas. Joe entra a regañadientes en este loco sueño, y pasa imperceptiblemente de la condición de empleado a la de gigoló …

Observación

Crepúsculo de las mitologías de Hollywood

Bulevar Crepuscular es la historia de una seducción y una caída, el conflicto explícito de dos generaciones, el choque simbólico de dos épocas: la, ya lejana, del cine mudo; la naciente de la década de 1950, que vio cambios decisivos en la estructura de la producción estadounidense. Billy Wilder no es tierno por el nuevo Hollywood, cuyo mercantilismo y dureza rasca; Sin embargo, no idealizó el de los años veinte, sino que encontró en él una grandeza delicuescente, una extravagancia, una pompa fúnebre que satisfizo tanto sus inclinaciones expresionistas (muy fuertes en ese momento), su gusto por la tragedia y su humor cáustico.

Una figura monstruosa y patética, Norma Desmond encuentra en Gloria Swanson una intérprete excepcional, que asume valientemente todos los excesos de su personaje y nos ofrece una brillante recreación / estilización de los gestos del silencioso. Norma no encarna ni la verdad ni la memoria de este cine, pero presenta una distorsión patológica del mismo, de una majestad inquietante y sorprendente. Su villa (tan inquietante como la de la señorita Havisham en Las grandes esperanzas), su opulenta limusina, su extraño marido-mentor-mayordomo son el reflejo de un tiempo abolido, de un mundo desaparecido en el que Joe Gillis se dejará llevar por una compleja mezcla de debilidad masoquista y piedad …

Se confunde a Hollywood con una ciudad sin historia. Surgida de la nada, la capital del cine recurrió a sus propias creaciones para darse un estatus cultural, haciendo de la imagen filmada su referente supremo, su capital mitológica única. Sin embargo, el cine es sin duda la más frágil de las artes. El más voraz también, que exige constantemente nuevos rostros, nuevos cuerpos. Norma Desmond sucumbe al aplastante peso de su imagen preservada artificialmente. Hollywood es una ciudad mortal y caníbal; ninguna película ha ilustrado mejor esta realidad que Boulevard du Crépuscule.

• Guión: Jan Lustig, Margaret Fitts, basada en la novela de J. Meade Faulkner
• Fotografía: Robert planck
• Decoración: Cedric Gibbons, Hans Peters
• Disfraces: Walter plunkett
• Música : Miklos Rosza
• Ensamblaje: Albert Akst
• Producción: John Houseman (MGM)
• País : Estados Unidos
• Fecha de lanzamiento : 1955
• Duración : 1 h 27

Abstracto

El joven John Mohune «va a Moonfleet en busca de un hombre que cree que es su amigo». La acción tiene lugar en xviii^mi Siglo, en un paisaje de arroyos y páramos. La madre del niño lo envía a un tal Jeremy Fox para que pueda cuidarlo. John finalmente encuentra al hombre y, debido a su terquedad, es adoptado a la fuerza. Sin embargo, Jeremy Fox, líder de una banda de contrabandistas, es un aventurero cínico y sin escrúpulos que lleva una vida de placeres y se asocia con un par de aristócratas totalmente corruptos, Lord y Lady Ashwood. John Mohune, por su parte, descubre que Jeremy Fox no solo es un contrabandista, sino el hombre del que le había hablado su madre y del que sin duda era amada. También descubre que uno de sus antepasados, otro John Mohune, había traicionado a su rey por un diamante, un diamante que decide encontrar. Después de muchas aventuras, Jeremy Fox, que comienza a sentir cariño por el niño, sale con él en busca del diamante. Finalmente lo encuentran en el fondo de un pozo, pero Jeremy aprovecha el sueño del niño para irse con la piedra. Il s’associe avec les Ashwood, mais change soudain d’avis, tue Ashwood qui le blesse et revient à temps pour réveiller John, lui demander de remettre le diamant au pasteur et disparaître, mortellement touché, à bord d’une barque à voile Rojo.

Observación

La búsqueda de la autoestima

Lang se vio obligado a agregar a este final que le gustaba una escena final más edificante. Es por eso que no parece haber sentido mucha simpatía por esta película. Sin embargo, Contrabandistas de la Flota Lunar apareciendo cada vez más como una de las mejores películas del «período americano» de Lang y posiblemente una de las mejores películas de aventuras jamás realizadas. No fue hasta que se reevaluaron las películas estadounidenses de Lang que pudimos reconocer, además de la nitidez de la construcción y la atrevida estilización de los decorados (la película se rodó en el estudio), algo del espíritu romántico de sus primeras películas. .Alemanes. Especialmente no se trata de romanticismo y, incluso a través del personaje del pequeño John Mohune (desprovisto de cualquier sentimentalismo), Lang se mantiene fiel a su concepción. crítico del mundo. Hace que Jeremy Fox no sea el héroe, sino el centro de la película, porque el noble desclasificado convertido en contrabandista y seductor es el único personaje que probablemente cambiará con la historia. La autoestima, un sentimiento nodal en el universo de Lang, es lo que Fox está recuperando in extremis por la estima del niño.

• Guión: Kurt Luedtke, basado en la novela de Isak Dinesen [Karen Blixen] la granja africana la biografía de Karen Blixen de Judith Thurman y el libro de Errol Trzebinski El silencio hablará
• Fotografía: David Watkin
• Decoración: Stephen grimes
• Música : John Barry y extractos de Mozart
• Ensamblaje: Fredric Steinkamp, ​​William Steinkamp, ​​Pembroke Herring, Sheldon Kahn
• País : Estados Unidos
• Fecha de lanzamiento : 1985
• Su : colores
• Duración : 2 h 35
• Premio : Oscar: mejor película, mejor director, mejor guionista, mejor director de fotografía, mejor compositor

Abstracto

En 1914, durante una partida de caza, Karen Dinesen le propuso al barón Blixen casarse con ella: le trajo su fortuna y él su título. Deciden comprar una granja en Kenia (en ese momento África Oriental inglesa). Durante el viaje, conoce a Denys Finch Hatton. En el acto, notó el alcance del racismo europeo y la irresponsabilidad de su esposo. Karen y Finch Hatton se vuelven amantes. A pesar del chovinismo de los agricultores ingleses, la plantación resultó rentable. Entonces Karen lo pierde todo: su granja por el fuego, su fertilidad de la sífilis que le transmitió su esposo, su matrimonio y Finch Hatton, muerto en un accidente de avión. Deja África y dedica su vida a escribir.

Observación

Esta película de treinta millones de dólares ha recibido numerosos premios. El éxito del público ha sido igualmente considerable. Es cierto que tenía activos importantes: una historia de infeliz amor-pasión y los espléndidos escenarios de África Oriental, en un contexto de acusación anticolonialista. Todo servido por una notable interpretación. Pero el profundo encanto de la película está en otra parte: a pesar de los giros melodramáticos de la acción (pero basados ​​en la vida real de la novelista danesa Karen Blixen), los efectos aún se conservan, casi borrados para evitar que compitan con los tiempos reales. miradas, silencios, planes de vivac, música de Mozart en la noche africana … Pero el drama aún conserva una función: hacer más intensos los momentos de alegría y armonía con la naturaleza colocándolos en la precariedad.

• Guión: Louis Malle, Jean-Paul Rappeneau, basada en la novela de Raymond Queneau
• Fotografía: Henri raichi
• Decoración: Bernard Evein
• Música : Fiorenzo Carpi
• Ensamblaje: Kenout Peltier
• Producción: Príncipe Napoleón Murat (NEF)
• País : Francia
• Fecha de lanzamiento : 1960
• Su : colores
• Duración : 1 h 31

Abstracto

En compañía de su madre, Zazie, una niña de diez años, llega a París, Gare de Lyon, donde la espera su tío Gabriel con quien pasará treinta y seis horas. Debido a la huelga del metro, su tío lo arrastra hasta el taxi de su amigo Charles. Molesto, Zazie lanza: “¡Ah! vacas, hazme esto! Y se sube al coche con pesar. Gabriel hace de guía y le señala los principales monumentos de París. A Zazie le importa un comino, quiere ver el metro. La audacia de su vocabulario marcado por un «¡mi culo!» »Asombra a los dos hombres ya Albertine, la esposa de Gabriel. El zapatero Gridoux y el bistró Turandot, desconcertados por la expresión favorita de Zazie, rápidamente se hicieron cargo. Al día siguiente, el muflón, frente a una entrada cerrada del metro, rompe a llorar. Más tarde esa noche, con Gabriel, la viuda Mouaque, Gridoux y Turandot, se encuentra en una brasserie donde hombres armados, vestidos con camisas negras, trágicamente ponen fin a la fiesta. Temprano en la mañana, Albertine lleva a Zazie al tren «sesenta y sesenta». Su madre le pregunta: «Entonces, ¿has visto el metro?» No, responde ella. Que has hecho ? Me hice viejo «.

Observación

El gran festival de la mezcla de géneros

En la época de la Nueva Ola, después de Elevator for the Scaffold and the Lovers, Louis Malle cambió de rumbo y adaptó la novela jovial y cerebral de Raymond Queneau, de la que básicamente se quedó con los diálogos, los personajes y las situaciones. Con la ayuda del guionista Jean-Paul Rappeneau, excelente gagman además, Louis Malle subvierte «la esencia misma del lenguaje cinematográfico». Con originalidad e invención, mezcla géneros (dibujos animados, comedia, burlesque), estilos (realista, onírico) y procesos narrativos (cámara lenta, acelerada, metáforas, elipses) para romper la lógica del espacio-tiempo y crear lo caótico y París inusual que Zazie descubre. De este brillante homenaje a Mack Sennett y WC Fields, recordamos el ritmo sobrecogedor de la visita a la Torre Eiffel y los actos acrobáticos del tío Gabriel, y la loca persecución en medio de los gigantescos atascos de la capital, un día de huelga del metro.

Louis Malle rejuveneció intencionalmente a Zazie por cuatro años y la convirtió en una especie de «Alicia» en la tierra de los adultos. Ni una niñita modelo ni una buena diablita, Zazie no se deja engañar. Cuestiona a los adultos y exige respuestas. Si para sus hijos no nacen en coles, ella no sabe qué es un «hormosessual». La explicación de Albertine: «un hombre que lleva bloudjinnzes» no la convence. Zazie en el metro es el primer retrato de un niño en la obra de Louis Malle. Sentimos respeto por esta época y una complicidad relacional que anuncia el Aliento en el corazón, la petite (Pretty Baby) y adiós niños. En la videoteca de la ciudad de París, hoy, Zazie en el metro es la película más vista. El itinerario turístico de Raymond Queneau en París, revisado por Louis Malle, todavía atrae a los niños, y no solo a los niños.

• Guión: Leslie Stevens, basada en la obra de Gore Vidal
• Fotografía: J. Peverell Marley
• Decoración: William kuehl
• Música : Alexander Courage
• Ensamblaje: Folmar Blangsted
• Producción: Fred Coe Haroll (Warner Bros)
• País : Estados Unidos
• Fecha de lanzamiento : 1958
• Su : en blanco y negro
• Duración : 1 hora 40

Abstracto

Tunstall, un criador de origen inglés, contrató al joven William Bonney como pastor. Su riqueza y su dominio despiertan los celos de sus conciudadanos de Lincoln que deciden deshacerse de él. Lo matan en una emboscada, pero sus asesinos son disparados por Bonney, que había jurado vengarlo. Se cree que William Bonney, perseguido, murió en el incendio de una casa y desaparece. Se convertirá en un asesino, más conocido como Billy the Kid. Uno de sus amigos más antiguos, Pat Garrett, que se ha convertido en sheriff, decide traerlo de vuelta vivo o muerto.

Observación

La anti-épica de un antihéroe

Arthur Penn, cuando comenzó a dirigir la Zurdo, vino de la televisión y el teatro. Quizás esta sea la razón por la que eligió -para su primera película- adaptar a la pantalla la obra del novelista Gore Vidal, la muerte de Billy the Kid, filmada en 1956 para televisión por Robert Mulligan, ya protagonizada por Paul Newman. Si quedan algunas huellas de la obra a nivel de los diálogos (a menudo muy “literarios”) y de la acción (restringida a unas pocas escenas clave), la película es profundamente diferente. Es, según el propio Penn, una película «no sobre Occidente, sino sobre a Oeste. »Escrito en un momento en que el género estaba experimentando una profunda transformación (los años 1956-1957 vieron el nacimiento de películas innovadoras como El juicio de las flechas, 3:10 para Yuma o Sangre en el desierto), el zurdo No quiere limitarse al gesto, ya bien ilustrado, del joven asesino, interpretado por Robert Taylor y Audie Murphy, entre otros. Se presenta a sí mismo como un anti-épico, centrado menos en las hazañas del personaje que en el héroe, además de un prototipo del antihéroe, él mismo. Un ser preso de impulsos que no comprende y, a menudo, no puede controlar. William Bonney no se convierte en él mismo hasta la muerte de su «padre», Tunstall, con quien ha establecido una relación apasionada que solo puede trasladar a otros. La homosexualidad latente del joven asesino irrumpe con todo su esplendor en sus relaciones con su amigo Garrett, cuya boda mancilla simbólicamente. Así concebida, tan lejos de los cánones del género, incluso en sus aspectos más innovadores, la película no tuvo éxito. El público estadounidense apenas saboreó la forma en que Penn había empañado la imagen terriblemente varonil de un bandido que nunca fue zurdo. Sin embargo, dio nacimiento no solo a la carrera del autor de Little Big Man, sino también a unos westerns donde los movimientos del inconsciente tenían su lugar. También es curioso notar que el mismo año, pero de una manera más moderada, Edward Dmytryck trató el mismo tema en El hombre de los caballos de oro.