clasicismo en la música –

La música clásica se define por un período que comienza alrededor de 1750-1780, después de la muerte de Bach, y termina alrededor de 1830, cuando el romanticismo le sucede.

Sus principales representantes se llaman Haydn, Mozart, Clementi, Beethoven. Evocan una forma de pensar y de sentir, una disposición mental que se manifiesta en el dominio de la forma, la búsqueda de un plan, una estructura regular, un lenguaje armónico claro y un programa tonal, una cierta reserva en la expresión, la conformación regular de la melodía, el uso de ritmos sencillos; equilibrio, claridad, elegancia, son las cualidades esenciales del clasicismo musical, uniéndose así a las de todo clasicismo. Pero entonces, ¿por qué asignar el epíteto de clásico sólo a los músicos vieneses y se lo niegan a la plétora de compositores del xvii^mi s. French, Lully, Delalande, Couperin, Rameau, mientras que Beethoven, cuyas fechas se enmarcan en el período clásico, ya lo es en su tercera sinfonía, que, de las treinta y dos sonatas para piano, sólo la primera puede considerarse clásica y que este desfase con el espíritu del clasicismo sólo se acentúa hasta el final de su obra? ¿No se construye una ópera lully con tanto rigor como una tragedia raciniana? ¿No contiene un motete de Delalande tanta elocuencia contenida como un sermón de Bossuet? Y esta generación de músicos de Luis XIV, tanto como sus literatos y pintores, llevó la reputación de Francia mucho más allá de sus fronteras.

Con el descubrimiento de las riquezas musicales de xvii^mi y xviii^mi s., parece que el clasicismo de los años 1750-1780 no resultó de la aportación de un genio músico que encontró ex abrupto soluciones definitivas a todos los problemas de forma y expresión, sino que es el final lógico de una evolución que comenzó cien años antes y que existió un “preclasicismo” antes del clasicismo propiamente dicho. Continuando con la investigación de músicos de la primera mitad del siglo xvii^mi s., sus nombres son Lully, Couperin, Delalande, Rameau en Francia, Purcell en Inglaterra, Schütz, Froberger, Pachelbel en Alemania, Corelli, A. Scarlatti en Italia. Estos músicos, seguidores de una escritura contrapuntística derivada de la polifonía y cuyo apogeo será obra de un J.-S. Bach, serán sustituidos a la muerte de éste por una nueva generación cuya preocupación esencial será la potenciación de la melódica. línea, el uso de la escritura vertical (armonía) frente a la escritura horizontal (contrapunto) de sus antecesores, dando pronto como resultado el estilo galante, frente a la soltura con la que reaccionarán Haydn y Mozart en sus últimas obras.

Esta nueva generación de músicos se esforzará por dar a la sonata su estructura definitiva al mismo tiempo que contribuirá a la elaboración de la sinfonía clásica. Esto dará como resultado la formación de una lengua internacional en la que participarán Francia, Italia, Austria y los países germánicos; entonces, hecho nuevo en la historia de la música, el apogeo del clasicismo estará marcado por la supremacía de la escuela alemana (Haydn, Mozart, Beethoven), que fecundará y completará la herencia de sus mayores.

La sonata adquirirá tal importancia que cualquier composición instrumental clásica adoptará su esquema: instrumentos solistas, música de cámara (trío, cuarteto, quinteto, etc.), el concierto, la sinfonía, que es sólo una gran sonata.

Haydn, Mozart, Clementi, luego Beethoven y Schubert han utilizado esta forma extensamente, llevándola a un grado muy alto de perfección y equilibrio. Beethoven, si bien acepta la estructura de la sonata, se niega a verla como un marco inmutable y modifica su forma de acuerdo con las ideas que desea expresar. Aumenta su duración, acentúa el contraste entre los dos temas, uno de los cuales se convierte en vencedor en una lucha que fecunda y alarga la duración del desarrollo. Con frecuencia infla la reexposición de un desarrollo terminal, altera el orden de los movimientos y llama, en sus últimas obras, a la fuga oa la gran variación.

Al igual que la sonata, la sinfonía atraerá la atención de los grandes clásicos. Sufrirá una evolución paralela a la de la sonata en cuanto a la forma, ya que adopta el plan. Varias escuelas contribuirán a la formación de la sinfonía clásica: sinfonistas franceses con muchos representantes (Gabriel Guillemain, Pierre Gaviniès, Charles-Henri Blainville, Jacques Aubert, L’Abbé, Antoine d’Auvergne, Alexandre Guénin, Jean-Baptiste Davaux [d’Avaux], Simon Leduc, Joseph de Saint-Georges, etc.), de los que Gossec resume la evolución; los sinfonistas italianos en Venecia (Vivaldi, Albinoni), en Milán (Sammartini), en Lucca (Luigi Boccherini), en Nápoles (Pergolesi, Giovanni Platti); Sinfonistas austriacos (Georg Matthias Monn, Georg Christoph Wagenseil, Michael Haydn, Karl Ditters von Dittersdorf), a los que se suman sinfonistas germánicos con, por un lado, los hijos de Bach (Wilhelm Friedemann, Carl Philipp Emanuel, Johann Christian) y, por el otro por otro lado, los representantes de la escuela de Mannheim (Johann y Carl Stamitz, Franz Xaver Richter, Cannabich).

Los tres grandes clásicos, Haydn, Mozart y Beethoven, tienen el honor de completar la obra de estos precursores. A menudo se ha dicho que Haydn es el padre de la sinfonía. De hecho, lo organizó y supo aprovechar las investigaciones en París, Milán, Viena y Mannheim para escribir la importante obra que conocemos, de la que las doce sinfonías de Londres (1791-1795) siguen siendo la expresión más hermosa, tanto en el campo de la forma como en el de la instrumentación.

Los diversos viajes del joven Mozart lo influirán a su vez en su obra sinfónica, pero su genio asimilará las lecciones recibidas y conducirá a la síntesis entre Francia, Italia, Mannheim y Haydn: son testigos de las obras maestras que legó a la posteridad. con los seis cuartetos de 1782-1785 y las tres sinfonías de 1788 (medio plano, suelo menor, Utah), posiblemente los mejores ejemplos de clasicismo en toda su pureza, equilibrio y elegancia.

Beethoven sigue siendo clásico a través de su constante preocupación por la arquitectura, la claridad de su lenguaje que, a pesar de la audacia de la armonía, permanece límpido y tonal, la simplicidad de sus temas, la mayoría de las veces construidos sobre la escala o el acorde perfecto y sus inversiones. . Sin embargo, a partir de la tercera sinfonía alarga considerablemente los desarrollos, aportando a la forma las mismas transformaciones de las que se han beneficiado la sonata o el cuarteto, convirtiendo la sinfonía en vehículo de sus ideas, contraponiéndose al objetivismo de un Haydn o de a Mozart un subjetivismo muy cercano al romanticismo.

Sin embargo, al margen de este período histórico, ¿no representaría el clasicismo un estado que se puede detectar en todas las épocas de la historia musical? ¿No estamos hablando del clasicismo de un Josquin Des Prés, un Schubert, un Fauré, un Ravel o un Hindemith, todos músicos que se alejan mucho de las fechas de la escuela clásica? El término de clasicismo evoca por tanto otra noción, estética ésta y cuyo significado deriva de las mismas cualidades que atribuimos a cualquier música escrita por los clásicos. ¿No parece más justo, como escribe un historiador, definir el clasicismo como “arte incluso en su estado perfecto”? En efecto, el organum de Pérotin domina por su belleza todas las composiciones anteriores del mismo género; Josquin toma los elementos de la masa de Guillaume de Machaut y Guillaume Dufay para crear la obra equilibrada y completa que conocemos.

Más allá del período clásico, el clasicismo se revela como una necesidad para muchos músicos, aunque no impide el uso de modos de expresión muy diferentes. Abundan los ejemplos de los que, románticos o modernos, retoman las formas del clasicismo o marcan por cierta lógica, por cierto rigor en la construcción, por la claridad de la elocución la influencia que recibieron de ella. Un Chopin, un Brahms, un Saint-Saëns, un Fauré, un Ravel, un Roussel, un Prokofiev, al reencontrarse con sus mayores, encuentran las constantes de una forma de pensar y de expresarse.