Los 9 movimientos artísticos más importantes del siglo XX

Los movimientos artísticos más destacados que se dieron en el siglo XX son: expresionismo, fauvismo, cubismo, abstraccionismo, dadaísmo, surrealismo, op art y pop art, siendo este último la transición al arte contemporáneo.

Los movimientos artísticos son corrientes de arte en las que un grupo de artistas comparten las mismas ideas, tanto estética como ideológicamente, y se unen con objetivos comunes. En general, tienen una duración, que puede variar de meses a décadas.

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1. Expresionismo

El expresionismo se le ocurrió ese nombre en Alemania entre 1905 y 1906, con Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Erich Heckel (1883-1970) y Karl Schimidt-Rottluff (1884-1976). Crearon el grupo Die Brücke, cuya traducción es “El puente”.

La idea principal al respecto fue resaltar sentimientos conflictivos y dificultades como el dolor, la angustia, la violencia y la depresión, que rondaban la época. Para ello, utilizaron colores intensos y formas humanas distorsionadas, acercándose a la caricatura, pero en este caso sin el contenido humorístico.

El movimiento seguía siendo un reacción al impresionismo, que buscaba trabajar la luminosidad en escenas bucólicas, en las que los personajes no exhibían una gran carga emocional.

Los precursores del expresionismo son Vincent van Gogh (1853-1890) y Edvard Munch (1863-1944), quienes a finales del siglo XIX ya trabajaban en sus lienzos el tema del sufrimiento humano utilizando colores intensos y una fuerte carga dramática.

pintando El Grito, de Munch
El grito (1893), de Munch

2. Fauvismo

El fauvismo fue un movimiento cuyas principales características fueron el uso de colores puros, a menudo se usa de la forma en que salen de los tubos de tinta; además de combinaciones de colores espontáneas, sin compromiso con la realidad.

Los fauvistas también retrataron cosas y personas de una manera simple, reduciendo formas y simplemente insinuando cifras.

El nombre que se le dio al grupo se produjo después de una muestra celebrada en el Salón de Otoño, en París, a principios de siglo, en 1905.

Los críticos de arte que acudieron a semejante exposición se enfrentaron a lienzos llenos de colores intensos y que aportaron cierta audacia. Así, no entendieron los propósitos de los artistas e hicieron duras críticas, nombrando a los jóvenes pintores de les fauves, que en portugués se traduce como «las bestias«O» los bárbaros «.

encuadre el baile.  de Matisse
La danza (1909), de Matisse

El mayor representante de este movimiento fue Henri Matisse (1869-1954), pero hubo otros fauvistas como André Derain (1880-1954), Maurice Vlaminck (1876-1958) y Othon Friesz (1879-1949).

Cabe mencionar que estos artistas contribuyeron mucho al uso de colores puros y formas simples en el diseño.

3. Cubismo

El cubismo fue un movimiento en el que el mayor interés estaba en retratar la la realidad de forma fragmentada, es decir, separar partes de una imagen y volver a componer.

La intención era presentar una escena mostrando todos sus ángulos, como si la forma estuviera «abierta» en la superficie del lienzo.

Evidentemente las imágenes resultantes no tenían ninguna fidelidad al mundo real, y terminaron presentando muchas formas geométricas como cubos y cilindros, de ahí el nombre de «cubismo».

Los creadores de esta corriente fueron Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963), siendo Picasso el primero en crear una composición cubista, la pintura Les Demoiselles d’Avignon, en 1907.

Pintura Las damas de Aviñón, de Picasso
Les Demoiselles d’Avignon (1907), de Picasso

Los dos desarrollaron el estilo en dos corrientes, el cubismo analítico, que trabajó con colores neutros y sombríos, para resaltar las formas deconstruidas; y el cubismo sintético, cuando se decide volver a la representación de figuras más fácilmente reconocibles.

4. Abstraccionismo o arte abstracto

En el arte abstracto, o abstraccionismo, los artistas liberarse del compromiso con el figurativismo, es decir, comienzan a crear imágenes donde no hay representación de ninguna figura reconocible.

El primer pintor considerado abstracto fue Wassily Kandinsky (1866-1944), un ruso apasionado por la música que decidió utilizarla como inspiración para sus pinturas.

Su propósito era transmitir la “atmósfera musical”, llevando al observador a entrar en contacto con formas, colores y líneas.

primera acuarela abstracta kandinsky
Primera acuarela abstracta, de Wassily Kandinsky

Otros artistas destacados del movimiento son Vladimir Tatlin (1885-1956), responsable del constructivismo; Piet Mondrian (1872-1974) con su neoplasticismo y Kazimir Malevich, con suprematismo.

5. Futurismo

El futurismo comenzó con un manifiesto literario. En 1909, el escritor italiano Filippo Tommaso Marinetti elaboró ​​el Manifiesto Futurista, en el que exponía las bases ideológicas del movimiento, basado principalmente en la revolución tecnológica, velocidad y dinamismo.

Era un aspecto artístico alineado con las ideas fascistas, que estaban en auge en ese período en Italia. Tanto es así que algunos de los intelectuales futuristas se unieron al partido fascista en un momento, lo que contribuyó al declive del movimiento.

imagen futurista
El dinamismo de un automóvil (1913), de Russolo

En 1910 los artistas de las artes visuales lanzaron un manifiesto dirigido a las artes, que fue firmado por Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla y Gino Severini.

Las obras producidas exhibieron escenas que exaltaban las máquinas, la velocidad y el movimiento.

6. dadaísmo

El dadaísmo fue un movimiento que buscaba subvertir la lógica del arte como una forma de resaltar los tiempos locos en los que vivieron.

El contexto fue el de la Primera Guerra Mundial (1914-18) y algunos intelectuales se refugiaron en Suiza.

Allí fundaron el movimiento Dadá, nombre elegido por el húngaro Tristan Tzara abriendo al azar un diccionario francés y eligiendo la palabra «dadá», que significa «caballo».

Los dadaístas buscaron transmitir todo el carácter irracional y absurdo del momento, para ello utilizaron el “automatismo psíquico” como recurso, una forma de crear basada en la espontaneidad y el azar.

Otras características sorprendentes de Dada son ironía, desorden y crítica al sistema actual.

rueda de bicicleta, de Duchamp
Rueda de bicicleta (1913), de Duchamp

Citamos como artistas del movimiento Hugo Ball (1886-1927), Hans Arp (1886-1966) y Marcel Duchamp (1887-1968), siendo este último el más reconocido.

7. Surrealismo

En 1924, como resultado del dadaísmo, surgió el movimiento surrealista en Francia. La idea del grupo era trasladarlo a las pantallas imagenes inconscientes, elaborando escenas que superaron la realidad.

Los conceptos psicoanalíticos de Sigmund Freud surgieron en ese momento y fueron de gran inspiración para los surrealistas.

Querían liberarse del racionalismo y permitir el fluir de la imaginación, lo ilógico y el simbolismo presente en el universo de los sueños.

la persistencia de la memoria, de ahí
La persistencia de la memoria (1931), de Dali

Nombres importantes de la hebra son: Salvador Dalí (1904-1989), que tuvo mayor reconocimiento, Marc CHagall (1887-1985) y Joan Miró (1893-1983).

8. Op art

El op art es un movimiento que tuvo lugar en la década de 1960. Su nombre proviene del inglés “optical art”, que significa “arte óptico”.

Las obras de esta hebra tenían como objetivo crear composiciones abstractas y geométricas que, según el ángulo en el que se miren, crean ilusiones de temblores y otras formas oscilantes.

La exposición más importante de este movimiento tuvo lugar en Nueva York en 1965 y se tituló como El ojo receptivo, traducido como “El ojo receptivo”, lo que sugiere que es el propio ojo del espectador el que responde a la obra, interpretándola y viendo las diferentes composiciones.

Los principales artistas del op art fueron Victor Vasarely (1908-1997) y Alexander Calder (1898-1976).

victor vasarely pintura, op art
Triond (1973), de Victor Vasarely

9. Arte pop

Pop art es el nombre que se le da a un movimiento que se dio en la década de 1960 en Estados Unidos, inicialmente. Posteriormente se extendió a otros lugares.

La idea del arte pop era crear un tipo de arte que estuviera más conectado con la vida cotidiana y práctica de las personas. Para ello se utilizó la inspiración y la base creativa. cultura de masas, presente en el cómic, la publicidad, el cine y la televisión.

Había una intención crítica en el pop art, mostrando cómo la vida de todos estaba inmersa en una cultura industrial, que unifica cosas e incluso personas, como las celebridades. Sin embargo, el movimiento acabó alimentándose de la propia cultura que pretendía criticar.

Las principales características de este aspecto fueron la producción en serie de imágenes, el uso de la serigrafía, referencia en estrellas de cine y colores intensos.

Cabe mencionar que este movimiento contribuyó a impulsar una nueva etapa en el medio artístico, el arte contemporáneo.

Arte pop de Andy Warhol
Marilyn Monroe (1962), Andy Warhol.

Andy Warhol (1930-1987) fue el máximo exponente del pop art, también estuvieron Roy Lichtenstein (1923-1997) y Richard Hamilton (1922-2011), quienes se destacaron.

Contexto de los movimientos de arte moderno

Este tipo de movilización artística fue el marca cultural de la primera mitad del siglo XX, cuando el mundo atravesaba profundas transformaciones sociales y económicas, además de intensos conflictos como la Primera y Segunda Guerra Mundial.

Así, los artistas, al principio en Europa, se organizaron colectivamente para reflexionar sobre los hechos, materializando sus ideas a través del arte, en lo que se conoció como Vanguardias europeas.

Las primeras ramas del arte consideradas movimientos fueron el impresionismo y el postimpresionismo, que se produjeron en el siglo XIX. Fueron ellos los que dieron las bases para que los movimientos de la ciudad emergieran en el siglo siguiente. arte Moderno.

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Referencias bibliográficas

PROENÇA, Graça, Historia del Arte. São Paulo: Ed. Ática, 2010.

GOMBRICH, Ernst Hans. La historia del arte. 16. ed. Río de Janeiro: LTC, 1999.

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