Renacimiento – Historia del Renacimiento – Artes

O Renacimiento (o Renacimiento, Renacimiento) fue, al mismo tiempo, un período histórico y un movimiento cultural, intelectual y artístico que surgió en Italia, entre los siglos XIV y XVII, y alcanzó su apogeo en el siglo XVI. Como sabemos, renacer significa literalmente nacer de nuevo. Por esta razón, este término se utilizó para indicar el movimiento para retomar la cultura clásica grecorromana. Aunque Italia, especialmente Florencia, se considera la cuna del Renacimiento, se ha expandido a otras regiones europeas, como Alemania, Flandes y los Alpes del norte.

Veamos algunos hechos históricos que contribuyeron a su desarrollo. El Renacimiento se sitúa en un período de transición entre la Edad Media y la Modernidad, que corresponde al fin del feudalismo y al comienzo del capitalismo. En ese momento se estaba produciendo un cambio importante en la forma de percibir el mundo: se pasaba de un pensamiento predominantemente teocéntrico –donde todo se explica desde un origen divino– a una cosmovisión antropocéntrica, donde el hombre asume un papel central en relación al universo. Tales pensamientos dieron lugar al surgimiento del Humanismo, un movimiento intelectual que se dedicó a valorar la condición humana y sus múltiples posibilidades de logros y descubrimientos en diversos campos del conocimiento, como la ciencia, la literatura y las artes.

Los italianos de esa época identificaron estos ideales en la poderosa Antigua Roma y, para revivir este período, buscaron retomar sus valores, costumbres, literatura y mitologías. Para ello, los artistas del Renacimiento establecieron las antiguas obras clásicas grecorromanas como parámetros de sus producciones, consideradas por ellos como las mejores producidas en términos artísticos hasta entonces. Al revivir los patrones del arte clásico antiguo, como el realismo, la simetría y la belleza, es que consideramos el Renacimiento como el segundo momento del arte clásico en la historia del arte.

Durante el Renacimiento se produjo un gran desarrollo naval, comercial y urbano, que se tradujo en un importante crecimiento económico, que dio lugar a una nueva clase social, la burguesía. Debido a este ascenso social de una parte de la población, ha surgido una forma diferente de relacionarse entre el arte y la sociedad: el mecenazgo. El mecenas fue una figura extremadamente importante en este contexto, ya que solía patrocinar a artistas y sus obras, contribuyendo así a la expansión de múltiples talentos. Sin este escenario económico favorable, quizás el Renacimiento no podría desarrollarse.

La arquitectura fue la primera de las artes en verse influenciada por los ideales del Renacimiento. Inspirado en modelos arquitectónicos clásicos, el arquitecto Filippo Brunelleschi diseñó la cúpula de la catedral de Florencia, Santa Maria del Fiore (c.1420-1436) con formas simétricas y armoniosas. Brunelleschi influyó mucho en otros arquitectos de ese período y de los siglos siguientes. Leon Allberti, en la elaboración de la fachada, a la manera romana, de la Iglesia de S. Andrea (c.1460), en Mantua, es un ejemplo de la influencia que ejerció Brunelleschi sobre sus contemporáneos. En la letra, cabe mencionar la producción de Dante Alighieri, Francesco Petrarca y Giovanni Boccaccio.

Catedral de Santa Maria del Fiore (Florencia, Italia). Foto: kavalenkava / Shutterstock.com

Podemos identificar las primeras características de la pintura renacentista del siglo XIV, en la producción de Giotto di Bondone. En pinturas como La Lamentación (c.1305), Giotto rompió con el estilo artístico de su época, caracterizado por formas rígidas, al insertar, en su pintura, figuras más realistas y una sensación de profundidad en el paisaje de fondo, a través de la perspectiva. Tales principios de perspectiva se desarrollaron aún más en el siglo XV, con Masaccio y su perspectiva matemática, que se puede observar en la pintura. La Santa Trinidad (Hacia 1420).

La Lamentación, pintura de Giotto di Bondone (entre 1304-1306).

El Renacimiento estuvo lleno de innovaciones técnicas en el campo artístico. La observación directa de la realidad es uno de ellos. Por lo tanto, los artistas solían dibujar extensamente para representar mejor en sus pinturas y esculturas lo que tenían antes. Otros inventos importantes fueron la pintura de caballete (utilizando un lienzo colocado sobre este soporte), y la popularización del perfeccionamiento y uso de la pintura al óleo (mezcla de pigmentos con aceites vegetales), ya que permitieron tanto el desplazamiento como la comercialización de obras, más viveza en los colores. y efectos más realistas en las pinturas. Además, los artistas, antes anónimos, han pasado a ser valorados por la sociedad. Con eso comenzó la práctica del autorretrato, que podemos comparar, en menores proporciones, con las actuales. selfies.

El corto período llamado Renacimiento completo (1500-1520) fue el responsable del surgimiento de las obras de los tres artistas más conocidos de ese período: Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti y Rafael Sanzio. El interés de Da Vinci en varios campos del conocimiento contribuyó a su fama como “artista completo”, tan valorado durante el Renacimiento. Podemos notar su inventiva en los proyectos para la construcción de aviones, en los dibujos anatómicos realizados a partir de cadáveres, etc. En su pintura más famosa, la Mona Lisa (1503-1506), están presentes los ideales renacentistas de serena armonía. La suave transición de los tonos más oscuros a los más claros es el resultado de una técnica creada por el propio artista, y llamada sfumato (humo, en italiano).

Mona Lisa, pintura de Leonardo da Vinci.

Aunque no se consideraba pintor sino escultor, no podemos dejar de impresionarnos por la fuerza de las imágenes presentes en los frescos (técnica que consiste en realizar pinturas sobre el yeso todavía húmedo) realizados por Miguel Ángel en el techo de la Sixtina. Capilla, en Roma (el proceso de realización de estas pinturas se puede entender a través de la película Agonía y éxtasis, 1965). Esta misma fuerza está presente en la obra Davi (1501-1504), una estatua de aproximadamente cuatro metros de altura, que representa la determinación y las bellas formas del joven héroe bíblico en su batalla contra el gigante Goliat.

La estatua del David de Miguel Ángel en exhibición en la Academia de Bellas Artes de Florencia, Italia. Foto: Lucas Martins / .com

Es frecuente mencionar al más joven de estos tres artistas, Rafael, como síntesis de los talentos de los otros dos. En Triunfo de Galateia (c.1512-1514), la mitología es el tema para la ejecución de una pintura lineal, en la que predominan los contornos. Todo en esta pintura, como en muchas otras del Renacimiento, es extremadamente nítido y claro, no hay áreas sombreadas. Simbólicamente, no hay nada que se le oculte al hombre del Renacimiento. No hay nada que permanezca en las tinieblas de la ignorancia, porque a través de sus innumerables conocimientos culturales y científicos, es capaz de arrojar luz sobre todos los misterios del mundo. He aquí un ideal renacentista que, pronto, dejaría de sostenerse.

Triunfo de Galateia, pintura de Rafael Sanzio (1511).

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Referencias:

CHILVERS, Ian. Diccionario de Arte de Oxford. São Paulo: Martins Fontes, 2001.

GOMBRICH, Ernest H. La historia del arte. Río de Janeiro: Editora LTC, 2011.

JANSON, HW Historia general del arte: Renacimiento y Barroco. São Paulo: Martins Fontes, 2001.

RICHMOND, Robin. Miguel Ángel: escultor, pintor, poeta. Río de Janeiro: Salamandra, 1992.