Written by Los fundamentos estéticos vividos en el siglo XIX, entre público y artistas, en el ámbito del teatro, fueron desafiados y expandidos en el siglo XX, expandiéndose hacia experiencias e innovaciones teatrales. En ese momento, el “naturalismo” escénico dominaba las convenciones teatrales, y luego, a principios del siglo XX, comenzaron a surgir nuevos movimientos y experimentos artísticos en oposición a las reglas dominantes. De estos experimentos destacan el expresionismo alemán, el teatro épico, el teatro de la crueldad y el teatro del absurdo.
A finales del siglo XIX, el melodrama burgués comienza a privilegiar temas de la vida social y personajes comunes, rompiendo con el idealismo romántico y dando lugar al realismo. Anton Tchekhov (1860-1904), fue uno de los representantes del realismo, mostrando la vida cotidiana del pueblo ruso, innovando en el diálogo dramático y retratando el declive de la burguesía rusa. Entre sus obras destacan “Una gaviota” y “El jardín de los cerezos”. El naturalismo realista propone un nuevo espacio para el director y el director. El ruso Constantin Stanislavski (1863-1938), es el máximo representante del «naturalismo», y llegó a crear un método específico de puesta en escena / interpretación. El espacio escénico naturalista también tuvo que sufrir cambios, para dar condiciones visuales y acústicas a la audiencia, ya que la idea central de esta estética sería la identificación de cada persona en la audiencia con los personajes, de modo que la atmósfera de la escena les causaría una especie de simulacro, una segunda realidad.
En Alemania, hacia 1910, comenzó el expresionismo, un movimiento de rechazo al naturalismo y la puesta en escena que pretendía crear una ilusión de realidad. El expresionismo innovó radicalmente el escenario, presentando una lectura no realista, estilizando y distorsionando los elementos de la escena. Tenía la intención de llamar la atención del público sobre el arte en sí mismo y no sobre la imitación de la vida. Georg Kaiser (1878-1945) y Ernst Toller (1893-1939) fueron los primeros expresionistas en el teatro, y en su trabajo buscaron mostrar la expresión del sentimiento humano, en lugar de solo retratar su realidad externa. Sigue mostrando temas sociales, mostrando al hombre en lucha contra la mecanización deshumanizadora de la sociedad industrial.
Con el auge del nazismo en los años veinte, muchos artistas se preocuparon por trabajar temas colectivos, reforzando así el enfoque antinaturalista, que llegó a conocerse como “Teatro Épico”, cuyo pionero de esta estética fue Erwin Piscator (1893-1966 ), que tuvo como discípulo y activista del Teatro Épico, al dramaturgo y poeta lírico alemán Bertolt Brecht (1898-1956). Brecht propuso un teatro politizado, cuyo objetivo era / es cambiar la sociedad. La “Ópera dos Três Vinténs” (1928) es la obra más destacada en la carrera de Brecht, cuya colaboración es con el compositor Kurt Weill (1900-1950). Esta obra presentó una nueva forma de teatro musical, mezclando la estética del cabaret con la sátira social. Brecht creó el “Efecto Distancing” (Verfremdungseffekt), que permitió al público distanciarse de los personajes y la acción dramática, utilizando diálogos estilizados, utilizando canciones narrativas, elementos escénicos informativos, etc. Su intención no era hipnotizar al espectador, sino despertarlo a una reflexión crítica, rompiendo con la ilusión a través de la extrañeza y dejando claro a todos que el teatro no es la vida real.
En este mismo período, está el “Futurismo”, en el que la propuesta teatral, en la ex Unión Soviética, era agitar y publicitar, con el fin de demoler todos los viejos valores de esa sociedad. En Italia, sin embargo, la intención era glorificar la violencia, la fuerza y la industrialización. Los italianos, liderados por Filippo Tommaso Marinetti, evolucionan hacia el fascismo, mientras que los rusos, liderados por Vladimir Maiakovski, utilizan el teatro para difundir el comunismo.
El ruso Vsevolod Emilievich Meyerhold (1874-1940), trabajó con Stanislavski y en 1905 pasó de actor a director de teatro, poniendo en escena diversas piezas de Maiakovski, utilizando el cine como recurso teatral. Meyerhold abre espacio para el teatro interactivo, creyendo que el actor no debe ser esclavo del texto, proponiendo en algunos montajes, la circulación de actores en la audiencia y la audiencia en la escena.
A finales del siglo XIX, Alfred Jarry (1873-1907) creó la obra de teatro “Ubu-rei”, donde el personaje Pai Ubu hizo impacto, ya que la obra tenía facetas de sátira grotesca, parodia violenta, mal lenguaje e incluso fragmentación exagerada de los diálogos. Pero Jarry fue el precursor del movimiento “surrealista” en el teatro, abriendo las puertas al “Teatro do Absurdo”. El término “Teatro do Absurdo” solo fue acuñado, en 1961, por el crítico de teatro Martin Esslin, al referirse a las obras que tienen una apariencia de humanidad perdida en un mundo sin sentido.
El “Teatro da Crueldade”, es una propuesta teatral desarrollada en Francia, por Antonin Artaud (1896-1948). Artaud, presenta en su libro “El teatro y su doble” (1938), la pretensión, como en el expresionismo, de regular las reglas del teatro naturalista de Stanislavski, diciendo que es una forma limitada de acción dramática. Creía en la comunicación teatral que pasaba por los sentidos y no en una apelación a la mente racional. Artaud, agrega, que el teatro debe ser para el público una estética de magia y energía, rompiendo los espacios teatrales convencionales y representando en las calles, fábricas, comercio, etc. Creía que de esta manera, el público se enfrentaría a su propia subjetividad, a sus sentimientos, en un proceso doloroso, llamándolo entonces “Teatro de la Crueldad”.
El italiano Luigi Pirandello (1867-1936), con su famosa obra “Seis personajes en busca de un autor” (1921), explora la tensión entre ilusión y realidad, donde los personajes, actores y público se fusionan y confunden dentro de la experiencia teatral. . Una especie de surrealismo-absurdo. En los años veinte, el teatro estadounidense comenzó a tener sus propias características, a través de las creaciones de Eugene O’Neill (1888-1953), quien fue influenciado por Pirandello. Otros autores como Tennessee Williams (1911-1983) y Arthur Miller (1915-2005), también son responsables de la evolución de la cultura teatral estadounidense.
El “Teatro do Absurdo” está más asociado con los dramaturgos que escribieron después de la segunda gran guerra, porque se trata de la destrucción de valores y creencias, y de la soledad humana. Este teatro se llama “Absurdo” porque retrata la incomprensible condición humana y sin perspectiva. La idea es escapar de la estructura narrativa familiar y secuencial, para abordar temas más oscuros como los conflictos en las relaciones interpersonales, el aislamiento humano y el inevitable camino hacia la muerte. Estos temas incluso aparecen en la comedia, volviéndose «absurdos», teniendo como ejemplo «A Cantora Bald» de Ionesco y «Esperando Godot», de Beckett. En esta estética tenemos como iconos a Eugène Ionesco (1912-1994), Samuel Beckett (1906-1989) y Jean Genet (1910-1986).
Los grupos teatrales que han surgido en las últimas décadas, suelen eliminar la cuarta pared, la invisible, que separa al público de los personajes. La tendencia es trabajar la puesta en escena interactiva y la producción de textos colectivos. El director se vuelve más valorado que el autor. Jerzy Grotowski (1933-1999) es uno de los grandes nombres del teatro experimental actual, propone la creación de un “Poor Theater” optando por una puesta en escena de extrema economía de los recursos escénicos (escenografía, vestuario, etc.), buscando trabajar. solo con el que es sumamente esencial para la escena, dejando solo la relación entre el actor y el espectador. Otras personalidades del teatro contemporáneo Merecen ser destacados, entre muchos otros, Joseph Chaikin, Eugênio Barba, Peter Brook, Richard Schechner, Heiner Müller.
En Brasil, considerando que las obras escritas por Oswald de Andrade, como “O Rei da Vela” y “A Morta”, fueron revolucionarias para su época, no se escenificaron después de ser escritas, permaneciendo olvidadas hasta la década de 1960. Se formalizó que, en Brasil, el teatro contemporáneo comenzó con Nelson Rodrigues (1912-1980), cuya edición de su obra «Vestido de Noiva», en 1943, es el hito de la modernidad del teatro brasileño. Los personajes creados por Nelson Rodrigues, son un fiel retrato de la psique humana. Sus obras presentan tramas con sofisticados juegos de tiempo y permiten una puesta en escena atrevida, con diferentes posibilidades de planes de acción dramáticos. Otros autores del panorama brasileño contemporáneo son: Jorge de Andrade (1922-1983), Plínio Marcos (1935-1999), Ariano Suassuna (1927-2014), Dias Gomes (1922-1999), entre otros.
Fuentes
PAVIS, Patrice. Diccionario de teatro. São Paulo: Perspectiva, 1999.
https://web.archive.org/web/20181215053048/http://educaterra.terra.com.br:80/literatura/temadomes/2004/09/02/002.htm
