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Pintor, mosaico y arquitecto italiano (Colle di Vespignano, en Mugello, 1266-Florencia 1337).
En sus primeros días, Giotto di Bondone estuvo vinculado a la tradición bizantina de xiiimi s., de la que rápidamente se liberó para dedicarse resueltamente a la pintura de manera moderna. El historiador de hoy tiene dificultades para identificar a esta personalidad insólita, este hombre de la Edad Media que revolucionó el arte de su tiempo. Gran parte del trabajo de Giotto, documentado como evidencia, ahora ha sido destruido. Imitadores o estudiantes se apoderaron de sus modelos, dando testimonio de la universalidad y el inmenso alcance de su obra hasta el final de la xivmi s. Durante su vida, Giotto disfrutó de una fama incomparable y fue elogiado por Dante, Boccaccio, Petrarca, sus contemporáneos.
1. Los inicios
La formación de Giotto y su obra antes de 1300 todavía plantean muchos problemas. El pintor ciertamente se inició con Cimabue, cuya gloria fue eclipsada por la de su discípulo. Sin embargo, mientras perpetúa la cultura bizantina, Cimabue tiende en sus frescos en la iglesia superior de Asís hacia una humanización de figuras sagradas que presagia el arte de Giotto. También se basa en otras fuentes. Los mosaicos romanos agrupados en torno a Pietro Cavallini hacia 1280-1290, herederos de la antigua tradición, los escultores contemporáneos, de los que emergen Nicola y Giovanni Pisano, preludio de la monumentalidad de sus figuras pintadas. Finalmente, se creó un centro intelectual en Asís después de la muerte de San Francisco (hacia 1226) y atrajo a la élite artística de la época.
Una estética hasta ahora desconocida
Giotto, rodeado de artistas romanos y sieneses, pintó en la iglesia superior de Asís su primer gran ciclo de frescos sobre el tema de la vida de San Francisco. En general, los críticos coinciden en atribuirle las decoraciones de los registros inferiores de los vanos, probablemente pintadas en 1296-1297 y antes de 1301. Las veintiocho composiciones obedecen a una disposición tradicional tripartita, pero Giotto introduce elementos plásticos aún desconocidos: en la Visión de los compañeros de San Francisco, el artista aplica una doble perspectiva, una en el suelo y otra en el cielo, enfrentando así lo natural y lo espiritual; integra así, por primera vez, volúmenes expresados en tres dimensiones en una arquitectura espacial coherente.
Renunciando, bajo la influencia de la estética franciscana, a la abstracción simbólica de los temas, anima a sus personajes con una poderosa narrativa dramática. En los frescos de la predicación de San Francisco a los pájaros o de Renuncia a los bienes de este mundo, desarrolla su propio sentido narrativo y realista. Antes de 1300, su Crucifijo de la Iglesia de Santa Maria Novella (Florencia) sigue la tradición iconográfica de un Cimabue. Sin embargo, Giotto confiere una vida nueva, más humana, a imagen de Cristo, terrible y rígida, de sus predecesores.
2. Después de 1300
En 1300, Giotto reside en Roma, donde se celebra el jubileo del Papa. Su Bonifacio VIII presidiendo el jubileo (Saint-Jean de Latran), completamente restaurado, parece haber sido ejecutado por su vasto taller. De 1301 a 1304, el artista trabajó en Florencia. Obra de este período, el panel de San Francisco recibiendo los estigmas (Louvre), justifica su atribución por analogía con el mismo tema tratado en fresco en Asís. El políptico de la Iglesia de la Santa Croce de Florencia (c. 1301-1302) ofrece un modelo típicamente gótico: coronado por arcos trilobulados, las contraventanas que representan a los santos rodean el panel central de la virgen y el niño. La grande Maestà de la Iglesia de Ognissanti (Galería de los Uffizi) o la Crucifijo de Rimini también obedece a la estricta iconografía sagrada, pero Giotto les da nueva vida a través de la verdad y el poder de la forma. En sus frescos de la Capilla de la Arena de Padua, encargados por los Scrovegni y ejecutados entre 1303 y 1307, sobre los temas de la historia de la Virgen y la de Cristo, tiende hacia una consumada unidad plástica y dramática.
En las escenas de Beso de Judas o de El encuentro de Joaquín y Ana en el Golden Gate, acentúa el poder dramático de sus personajes. El entrelazamiento de grupos y su oposición traducen una intensa expresión psicológica. Dentro la huida a egipto Dónde el lamento de cristo, la misma razón plástica y dramática anima la escena, y elimina todos los elementos anecdóticos. El sentido de lo sagrado se ve reforzado por un análisis cada vez más profundo de la naturaleza humana. Por otro lado, Giotto aplica una nueva lógica en perspectiva, colocando figuras más grandes en primer plano que en segundo plano, como en Ascensión de cristo. Finalmente, descubre los recursos de la luz pura y crea armonías de tonos más ricos y matizados que en Asís.
3. Madurez
3.1. La llamada del Rey de Nápoles
Nada queda de las obras de Giotto en Rimini alrededor de 1311. De 1315 a 1317, el artista ejecutó frescos sobre temas seculares en el palacio comunal de Padua, que ahora ha sido destruido. En Florencia, entre 1317 y 1327, fue el maestro de obras de las decoraciones de las capillas Bardi y Peruzzi de la Iglesia de la Santa Croce, el último gran grupo que ha llegado hasta nosotros.
En esta fase final de su evolución, suaviza el rigor geométrico de sus formas, ahora más elegantes. El canon de figuras se alarga, quizás bajo la influencia de Simone Martini y el arte sienesa, en las escenas de la vida de San Francisco en la capilla Bardi. En los frescos de la vida de San Juan Bautista y de San Juan Evangelista en la capilla Peruzzi, Giotto crea una animación más suave y más densa mediante el uso de composiciones oblicuas. La cohesión entre los personajes y el espacio arquitectónico, el modelado muy flexible de las formas sobre las que gira la luz, anuncian directamente las conquistas espaciales de Masaccio, cien años después.
Alrededor de 1328, Giotto salió de Florencia, llamado por Roberto el Sabio, rey de Nápoles. Permaneció hasta 1332 en esta brillante corte, frecuentada por Boccaccio y Petrarca, y aparentemente realizó para el palacio del rey un Continuación de la historia de los grandes hombres. Desafortunadamente, todas sus pinturas seculares mencionadas anteriormente ahora han desaparecido.
3.2. Regreso a Florencia
En 1334, Giotto fue nombrado superintendente de edificios en Florencia. Elaboró los planos para la elevación del famoso campanario. En 1335-1336, sabemos que decoró el palacio de Azzone Visconti en Milán. A su muerte en 1337, Giotto fue enterrado con los más altos honores en la catedral de Florencia.
De esta última década de su vida, solo conocemos algunos retablos. Así, el políptico se dispersó con la virgen y el niño (Washington) y las contraventanas de San Etienne (Florencia) y de San Lorenzo y San Juan Evangelista (París, Musée Jacquemart-André) da testimonio de la relajación del estilo de Giotto. En el políptico de Baroncelli (iglesia de la Santa Croce), que representa la coronación de la Virgen, destaca la elegancia de las figuras y la delicadeza del colorido. La atribución del políptico Stefaneschi (Vaticano) al propio Giotto plantea el problema de la evolución última del artista, que luego tiende hacia el gótico internacional, en un estilo «cortés» del que se inspirarán sus alumnos.
4. Alumnos de Giotto
Los primeros «giottescos», como el Maestro de Vele de Asís, autor de los frescos de la Capilla de la Magdalena en la iglesia inferior de Asís, o el Maestro florentino del retablo de Santa Cecilia (Oficios), parecen arcaicos. Taddeo Gaddi está evolucionando en una dirección más original. Sus frescos en la Capilla Baroncelli de Santa Croce (1332-1338) presentan un tono más elegante y naturalista, en la perspectiva final de Giotto. Gaddi incluso supera a su maestro por el uso de efectos de luz muy atrevidos.
Maso di Banco, registrado en la corporación de pintores de Florencia en 1343, se expresa con un sentido narrativo nunca antes alcanzado en sus frescos en la capilla Bardi de Santa Croce. Descubre las graduaciones de luces y sombras, y su cromatismo excepcionalmente rico influirá en Bernardo Daddi. Este último destaca en representaciones narrativas y pintorescas sobre paneles de pequeño formato. Su tríptico de la virgen y el niño (Oficinas) firmadas y fechadas en 1328, y la del Louvre, hacia 1335, ya han olvidado las lecciones espaciales y monumentales de Giotto.
En cuanto al artista identificado con el maestro Stefano de Vasari por el profesor Roberto Longhi, es un preludio directo del gótico internacional. Una poesía original emana de su Coronacion de la virgen en la iglesia inferior de Asís; en sus frescos en la Iglesia de Santa Chiara, define un canon de muy pura belleza, que presagia el estilo europeo de finales de la xivmi s.
5. Los discípulos de Giotto en la segunda mitad del xivmi s.
La gran plaga negra de 1348 creó una profunda brecha entre las dos mitades del siglo. El espíritu franciscano se borra ante el ascenso de los dominicos. Aparecen nuevos temas religiosos: muerte, castigo. La estética de Giotto aún se perpetúa, pero el nivel artístico desciende profundamente. Andrea di Cione, dice Orcagna, es el director de la escuela. Los fragmentos de su fresco de Triunfo de la muerte, en la Iglesia de Santa Croce, reflejan el clima psicológico de la época. Muchos aspectos arcaicos, la supresión de la investigación espacial aparecen en el arte de su hermano Nardo di Cione (conocido desde 1343 hasta 1366, autor de los frescos en la capilla Strozzi en Santa Maria Novella, o en Jacopo di Cione (citado desde 1365 hasta 1398 ), el menos inspirado de los tres hermanos. Finalmente, el academismo frío y artesanal de un Niccolo di Pietro Gerini (activo desde 1368 a 1415) ya no contribuye en nada a la tradición florentina.
Giovanni da Milano enriqueció la sensibilidad gótica con contribuciones de Lombardía, Siena y Aviñón: estas, ennoblecidas por la gran lección florentina de Giotto, servirán de base para el estilo gótico internacional. Giottino, hijo de Stefano, trabaja con G. da Milano en Roma. Andrea da Firenze (conocido de 1343 a 1377), autor de las decoraciones para la capilla española de Santa Maria Novella, agota la tradición de Giotto en un academicismo mediocre. Agnolo Gaddi (? -1396), hijo de Taddeo Gaddi, Spinello Aretino o Antonio Veneziano (activo desde 1369 hasta 1388) intentan en vano reconectar con el espíritu de Giotto. Renunciando a la estética del gótico internacional, que, además, apenas marcó a Florencia, Masaccio, el primer pintor del Renacimiento a principios de la xvmi s., estudiará los frescos de Giotto y recuperará su monumentalidad.
