Jean Renoir, abril de 1969, diálogo con Jacques Rivette Cineasta francés (París 1894-Beverly Hills, Estados Unidos, 1979), hijo de Auguste Renoir y hermano de Pierre Renoir.
Desde las primeras obras hasta La regla del juego
Hijo del pintor Auguste Renoir, primero fue ceramista antes de interesarse por el cine a partir de 1923. Comenzó como productor y guionista de Catherine o una vida sin alegría (de Albert Dieudonné, 1924), película en la que conoce a Catherine Hessling, la protagonista de la película, que se convertirá en su esposa. Pero esta obra no se mostrará públicamente hasta 1927. Mientras tanto, el cineasta está haciendo su primera película, la chica del agua (1924), que sigue Nana (1926, después de E. Zola). Producida por el director, esta última película es un desastre financiero que arruina a Renoir. Esto luego ejecuta un trabajo de comando (Marquitta , 1927), y es el intérprete de la P’tite Lilie (de Alberto Cavalcanti, 1927) antes de dirigir El pequeño vendedor de cerillas (1928, después de HC Andersen): el encanto y los efectos especiales de esta película le dan un lugar original entre otros cineastas franceses. Pero fue un nuevo fracaso comercial, lo que obligó a Renoir a disparar dos vodevilles militares, Flanco (1929) y el torneo (1929).
¿Eres estudiante, profesor o academia?
DATE DE ALTA EN NUESTRA RED SOCIAL!, Grupos de estudio, apuntes, escribe en tu propio blog, añadir tu academia o dar clases particulares y Aprende!!!.
El sangrado (1929), película de aventuras, es también un encargo en el que el director rinde homenaje al cine de acción estadounidense. Luego rodó dos películas como actor y abordó el cine hablado con una adaptación de G. Feydeau, Estamos purgando bebé (1931), que es un éxito. La perra (1931) es la primera película hablada en la que Renoir realmente deja su huella: es un homenaje al actor Michel Simon a través de la pintura de un francés medio cuyo único escape, el único sueño, es precisamente la pintura. El año siguiente, la noche de la encrucijada (1932) adapta el extraño y poético universo de G. Simenon. Quizás sea el hecho de que se perdieron tres carretes lo que le da a la obra un tono «misterioso». Sin duda, es la primera gran película de detectives del cine francés.
También en 1932, el director firmó Chotard y compañía y sobre todo Boudu salvado de las aguas , donde conduce nuevamente al Sr. Simon, en el papel de un vagabundo anarquista. El cineasta opone la libertad del vagabundo al consuelo de la pequeña burguesía parisina de la época, en una especie de lío lírico que sorprende: la película es un amargo fracaso comercial.
Madame Bovary (1934) también es uno. Dando un paso atrás de la novela y el estilo de Flaubert, Renoir adapta el libro en forma de comedia trágica donde los personajes son utilizados intencionalmente como héroes del teatro. Este anti-academicismo choca a los partidarios de la fidelidad a una obra escrita, y Renoir solo debe la estima de Marcel Pagnol para poder realizar Toni (1934).
Rodada en el sur de Francia, «donde la naturaleza destruyendo el espíritu de Babel sabe tan bien cómo operar la fusión de razas», como se dice en el prólogo, la película constituye la primera obra neorrealista de la producción francesa. Principalmente filmado por actores no profesionales, Toni une la vida cotidiana con la tragedia en una atmósfera de ensueño y soleada.
Al año siguiente, Jean Renoir conoció a Jacques Prévert. De la colaboración entre los dos hombres nace el crimen del señor Lange (1935), que marca un punto de inflexión en la obra del cineasta donde la preocupación social ocupará a partir de ahora un lugar esencial. Hada, el crimen del señor Lange debe tanto a la cáustica brillantez de su diálogo como a la poética invención de su puesta en escena, espontánea, casi improvisada. Es un relato filosófico dirigido contra el capitalismo, que lleva la marca del Frente Popular.
La vida es nuestra (1936), producida para la propaganda electoral del Partido Comunista, es una de las primeras películas activistas francesas; está lleno de documentos de actualidad y discursos políticos mezclados con escenas escenificadas. Cuando sale, los espectadores que van a verlo no pagan su plaza, sino que se suscriben a cambio del diario. Freedom Cine , especialmente creado para la ocasión. Curiosamente, la verdadera carrera comercial de La vida es nuestra no comenzará hasta finales de 1969 y será la probable consecuencia de los acontecimientos de mayo de 1968.
Después de su mediometraje Parte del campo (1936), Renoir adapta a Gorki (las tierras bajas , 1936), luego produjo la que sigue siendo su obra más famosa en la actualidad: la gran ilusion (1937). Esta película ilustra, a través de una historia de fugas, los recuerdos de aviador y prisionero de 1914-1918 de J. Renoir; es el trabajo de Renoir donde la psicología ocupa el lugar más importante. La película, boicoteada cuando se estrenó, ha tenido una reedición triunfal.
En 1937, el director dio la Marsellesa , financiado por una suscripción de la CGT, y que parece menos una película de vestuario que una especie de noticiero sobre la Revolución Francesa, al que va la simpatía del cineasta.
Este último adaptó Zola en 1938 por segunda vez: la bestia humana Es sobre todo el retrato de una mujer, de la mujer, que revela la actriz Simone Simon. Después de este trabajo naturalista, Renoir filma su «película maldita», La regla del juego (1939). Este «drama gay» se reconoce hoy como la obra maestra de Renoir. Esta meticulosa descripción del burgués de la época fue recibida con gritos antes de ser prohibida en septiembre de 1939 por la censura militar. Razón: La regla del juego es desmoralizante. Desmoralizante para la clase a la que apunta la película, porque adivinaron confusamente eso, bajo la apariencia de una broma entre amigos que La regla del juego, perfora una aguda crítica al modo de vida de los ricos franceses, en la que podemos leer, premonitorio y fatídico, el anuncio de la derrota de 1940.
Renoir, una vez más decepcionado, se marcha a Italia, donde comienza la tosca (1940), pero la entrada de Italia en la guerra le impidió filmar más de cinco planos. La película estará terminada por Carl Koch. El cineasta regresó luego a París, donde realizó varios trabajos para el Servicio Cinematográfico de las Fuerzas Armadas, luego bajó al Sur. Fue allí donde recibió una carta del director Robert Florey invitándolo a ir a Estados Unidos. Se embarcó en el otoño de 1940.
El período americano
En Hollywood, contratado por Twentieth-Century-Fox, Renoir dispara el estanque trágico (Agua de pantano , 1941). El director definiría más tarde su etapa americana dividida en dos partes: “Algunas pruebas en los grandes estudios y otras con independientes. »En Hollywood, la película provoca una (pequeña) revolución: de hecho, es la primera vez que un gran estudio admite la idea de que se pueden rodar exteriores en escenarios naturales y no frente a lienzos pintados. Jean Renoir luego se da cuenta Vivir libre (Esta tierra es mía , 1943), en la que quería revelar a los estadounidenses un rostro poco conocido de la Francia ocupada. La puesta en escena es más didáctica que inspirada, y la película, que asombra a Hollywood, desatará hostilidad tras su estreno en Francia.
Segunda película de propaganda, Hola a francia (Saludo a Francia , 1944), no provoca ninguna reacción cuando se proyecta en París. Sin comentarios, sin pistas. El silencio. Sin embargo, es bien recibido en Estados Unidos. En 1945, Renoir convierte el sureño (El sureño ). Es la película de la libertad redescubierta: el cineasta la produce exactamente como le parece, con el buen humor y la sencillez de sus películas francesas de preguerra. Por primera vez, la idea de Dios aparece en la mente del cineasta. La puesta en escena es hierática, con una austeridad «protestante». Abandonando los cultivadores de algodón que, además, le valieron el premio a la mejor película en la Bienal de Venecia de 1946, Renoir evoca a la gente de la casa querida por Octave Mirbeau en el diario de una camarera (Diario de una camarera , 1946). Es una tragedia burlesca, a la vez divertida y atroz, realizada íntegramente en los estudios, lo que le confiere un carácter teatral que ridiculiza maravillosamente a la burguesía, de la que el autor de la novela se burla a lo largo de una página. La última película estadounidense de Renoir, mujer en la playa (La mujer en la playa , 1946) parece un film noir de Fritz Lang, con además esa calidez humana, ese fuego que arde bajo las cenizas de la apariencia que son propias de las películas de Renoir, cuando se siente libre para rodarlas según su corazón.
La pureza, la sencillez, la agudeza intransigente que adquiere el director, las encontramos en los colores dorados de la India cuando las trae de regreso de este país. el río (El río , 1950). Nacimiento y muerte se encuentran allí en un ballet de símbolos metafísicos y metáforas límpidas que nos revelan, resplandeciente y desgarrada, la India sin folclore.
El regreso a los estudios franceses
El folclore, que Renoir odia, fue mencionado al final de la Carruaje dorado 1952, (según P. Mérimée). Se niega a ver su profunda gravedad. La película es un nuevo fracaso, lo que permite a Renoir poner en escena en el teatro Arles la julio César de Shakespeare (1954), antes de debutar en estudios franceses con Cancán francés (1955) que será su último éxito. De hecho, ni Orvet , la obra que escribió y representó en 1955, ni Elena y los hombres (1956), ni el testamento del doctor Cordelier (1959, su único ensayo fantástico) le ganó el favor del público. El desayuno en el césped (1959) y el cabo inmovilizado (1962) son mejor recibidos. Siete años después, Jean Renoir entrega en cierto modo su testamento filmado en una cinta de sketches producida para televisión: el pequeño teatro de Jean Renoir (1969) es a la vez una puesta en escena y, sobre el escenario, una puesta en escena del cineasta, que él mismo presenta los bocetos para reflexionar mejor sobre ellos.
Tan juvenil como una primera obra, esta película de espléndidos colores, insolente y serena como cualquier película de Renoir, celebra la unión del espectáculo y la vida. ¿Existe un estilo Renoir? Hay uno: no lo vemos porque va por delante y se esconde modestamente detrás de su modesta perfección. Como con Stendhal.