Orson Welles –

En 1931 se fue a Irlanda, donde consiguió que lo contrataran en un teatro de Dublín. De vuelta en los Estados Unidos, editó un Shakespeare para todos y publica noticias en diversas revistas. En 1933 se incorporó a la compañía de Katharine Cornell, lo que le permitió conquistar Nueva York tras haber sido elogiado por el público y la crítica en Chicago, donde organizó un festival de teatro. Al mismo tiempo, ingresó a la radio en 1934, donde colaboró ​​en los más diversos programas y apoyó a Roosevelt. Con el productor John Houseman, creó el «Mercury Theatre», que subvencionó con ayuda del gobierno. Realiza obras de teatro sociales, clásicas y de vanguardia. En octubre de 1938, su adaptación radiofónica (muy gratuita) de Guerra de las palabras por H. G. Wells sembró el pánico en Estados Unidos y lo dio a conocer al instante.

Sin renunciar al teatro ni a la radio, Orson Welles firmó en agosto de 1939 un contrato con la compañía cinematográfica RKO, que le garantizaba la realización de al menos una película al año, total libertad y unas condiciones económicas excepcionales. Sus dos primeros proyectos fracasan, luego se vuelve Ciudadano Kane durante el verano de 1940, a pesar de la oposición de W. R. Hearst, el famoso magnate de la prensa, de quien claramente se inspiró para su película. Bien recibido por la prensa, Ciudadano Kane es un desastre financiero. Comienzan los problemas y la leyenda de Orson Welles, el enfant terrible de Hollywood. Welles vuelve a la radio por unos meses, pensando constantemente en vengarse de un público y una industria que no le perdonan por haber sido el primero en cuestionar el principio según el cual el estilo, en el cine, debe pasar desapercibido y desvanecerse. frente a la historia. A través de su revolucionaria puesta en escena, la audacia de su edición y la complejidad de sus movimientos de cámara, Ciudadano Kane De hecho, ha confundido enormemente a los profesionales conservadores de Hollywood.

Un gigante de los 7^mi Arte

Decidido a seguir haciendo de la «forma» el tema de sus futuras películas, Orson Welles dedica su extraordinaria energía a preparar el esplendor de los Ambersons (Los Magníficos Ambersons), que filmó en 1942. Otro fracaso comercial. Welles emprende una película menor, Viaje a la tierra del miedo (Viaje al miedo, 1942), que termina, firmándolo, Norman Foster. En 1946, produjo, actuó y dirigió en Broadway. Alrededor del mundo en 80 días, según J. Verne, espectáculo total y cinematográfico que obtiene un gran éxito. Para olvidar sus fracasos públicos como cineasta, aparece en películas rodadas por otros (Jane Eyre, de R. Stevenson, 1944) y pronto aporta a cada uno de sus personajes una fuerza, una originalidad, una ambigüedad que los escritores, a menudo, no sospechaban al escribir los papeles. El criminal (El extraño), que dirigió en 1946 a partir de un guión de John Huston, es una película fallida, que también negó. Al necesitar $ 50,000 para montar un programa con Mike Todd, Welles los pide prestados a un productor de Columbia y se compromete a hacer una película para esa compañía por ese precio. Está la Dama de Shanghai (La Dama de Shanghai, 1947), un extravagante «thriller» en el que Rita Hayworth, con quien se casó Orson Welles, encuentra el papel más inusual de su carrera. Carrera que se ve truncada por la película.

Después de Macbeth fusilado sin medios (1947), Welles vino a tocar en París, produjo una serie de programas de radio en Inglaterra (en 1950 y 1952) y encendió en la televisión estadounidense una adaptación de Rey Lear dirigida por Peter Brook. Famoso como actor gracias a Tercer hombre (por Carol Reed, 1948) y la rosa negra (de Henry Hathaway, 1950), el hombre a quien se llama acertadamente el «padre del cine moderno» debe esperar muchos meses antes de filmar en Italia y Marruecos un OTELO superbe (1952), que no tuvo más éxito que sus trabajos anteriores. Siempre rebosante de actividad: programas de televisión en los Estados Unidos e Inglaterra, películas en Francia (para Sacha Guitry en particular) o en América (Moby dick, de J. Huston, 1956, que interpretó el año anterior en un escenario de Londres), novelas (una verdura grande, 1953; Sr. Arkadin, 1954, de la que hizo una película en 1955) – sólo piensa en dirigir películas en las que la desmesura, el desprecio por los estándares y los géneros restablecerían finalmente la única noción que está cerca de su corazón: la noción de autor total, megalómano y todopoderoso.

Un genio tardíamente reconocido que no se beneficiará de todos los medios de su expresión.

Después de haber realizado una película policiaca por encargo, sed de mal (El toque del mal, 1958), de la que hizo una grandiosa ópera en serie negra, Welles pasó los siguientes cuatro años en una serie de películas que él mismo no dirigió (el genio del mal, de R. Fleischer, 1959, por nombrar sólo los mejores), recibe luego una propuesta que le encanta: disparar el proceso (La prueba) de Kafka en Yugoslavia con distribución internacional. La acogida de la crítica en el estreno de la película en 1962 fue más tibia que la del público, que finalmente reconoció en Orson Welles a uno de los únicos genios auténticos del séptimo arte, como lo fueron antes un Stroheim o un Murnau.

Siguen innumerables figuraciones en películas más o menos buenas, y luego Welles realiza, sin medios, en España, Falstaff (Campanas a la medianoche, 1965), cuyas altísimas cualidades son elogiadas en el Festival de Cine de Cannes. Pero su reconocida supremacía no le otorga el capital necesario para llevar a cabo sus múltiples proyectos. Fue para la ORTF que rodó un mediometraje en 1967, una historia inmortal, donde demuestra en cincuenta admirables minutos que no ha perdido nada de su ciencia de la edición, su gusto por los encuadres insólitos y su fuerza creativa. Por primera vez aborda el color: el éxito es total. Desde entonces, Welles ha producido en colaboración con F. Reichenbach un documental (ficticio) sobre falsificadores titulado Verdades y mentiras (Falsificaciones) [1972-1974]), que es una verdadera lección de montaje.

La película que rodó en 1972-1973 en Hollywood y España, El otro lado del viento, se parece mucho a un testamento espiritual. Cuenta la historia de la muerte de Hollywood vista por un cineasta que regresó allí por última vez, luego de ser rechazado incansablemente.

El drama de la carrera de Orson Welles, la inacción forzada, lo obliga a rodar cada una de sus películas como si estuviera haciendo la primera. Sus mejores éxitos, curiosamente, pertenecen a un género literario o «hollywoodense» definido, sea el que sea: el «thriller» o la saga familiar (el esplendor de los Ambersons). El cine es para él sinónimo de “respirar”, de razón para vivir y para esperar. Excesivo, infatigable, lo menos convencional posible, Orson Welles ha perseguido en su cabeza y en sus películas demasiado raras una obra gigantesca, a la que el cine debe mucho y siempre deberá.