Georges Braque –

Dando la espalda a los «seguidores» para que sean «los que van adelante», para usar su propia expresión, Georges Braque fue uno de los padres del cubismo. Sus amigos poetas lo elogiaron por haber sabido expresar la espiritualidad de la materia y por haber creado una “poética del espacio”.

La aventura cubista

Nacido en una familia de pintores de casas, Braque pasó su infancia en Le Havre, «en medio de una atmósfera impresionista», y realizó su educación artística por su cuenta, siendo su primera formación como aprendiz de pintor-decorador. Llegado a París en 1900, se convirtió al fauvismo en 1905 y expuso en 1906 en el Salon des Indépendants. Desde 1907 fecha la primera versión de Viaducto del Estaque (Minneapolis), de color leonado pero con un diseño geométrico, y la gran De pie desnudo que da testimonio de la influencia de las Demoiselles d’Avignon de Picasso. Los otros paisajes de L’Estaque de 1908, reducidos a esos famosos pequeños «cubos» advertidos por Matisse y, siguiendo a este último, el crítico de arte Louis Vauxcelles, suceden a los paisajes normandos de 1909, donde las masas se comunican entre ellos por un serie de modulaciones que igualan la luz y tienden a romper los volúmenes en un mosaico de primeros planos del espectador.

Abandonando el paisaje por la naturaleza muerta, Braque colabora estrechamente con Picasso y desarrolla con él las doctrinas del llamado cubismo “analítico” y luego del cubismo “hermético”. Algunas pinturas, en las que aparecen con frecuencia instrumentos musicales, son notablemente monumentales (el violín y la jarra, 1910, Basilea); otros incluyen, entre otras cosas, elementos pintados en trampantojo. En septiembre de 1912 tuvo lugar la mayor innovación de los “papeles en collage”, que permitió a Braque reintroducir el color y “ver su independencia de la forma” (Bodegón con violín 1912, Universidad de Yale).

El camino de la posguerra

Movilizado en 1914, gravemente herido en el frente de Artois en 1915, Braque volvió a trabajar en 1917 y, después de la guerra, se dedicó a una obra esencialmente basada en la naturaleza muerta, sin el atrevimiento de la época anterior. Adopta el formato pequeño del género de los «gabinetes de aficionados» o la composición grande y ambiciosa. La serie de «Guéridons» y bodegones sombríos de 1918-1920, donde a menudo un racimo de uvas junto a un instrumento musical, sucede al conjunto de «Chimeneas» y «Mesas de mármol» (Naturaleza muerta en la mesa de mármol 1925, MNAM), tratado con poderosas armonías de verdes, marrones y negros. A partir de 1928, la paleta tiende a aclararse y el material, extendido sobre un soporte granular, se vuelve mucho más fluido (la mandolina azul, 1930, San Luis).

La figura humana está casi ausente en la obra de Braque, salvo en la bella serie de «Canéphores» (1922-1927), que son el homenaje que el pintor rinde a la atmósfera neoclásica de la época, luego en algunas composiciones en forma de curiosos siluetas vistas de frente y de perfil (el dúo, 1937, MNAM). El paisaje reaparece furtivamente, recordando los paseos de Braque por la casa que compró en 1930 en Varengeville-sur-Mer, cerca de Dieppe (Acantilados 1938). En este período de entreguerras, se convierte en el pintor francés por excelencia, heredero de las virtudes nacionales y depositario de la tradición clásica, de la que él mismo se defiende en las máximas de Cuadernos de Georges Braque (Día y noche, 1917-1952), publicado en 1956. De esta manera podemos relacionar todas las obras vinculadas a la cultura de la Grecia arcaica: los aguafuertes para la Teogonía de Hesíodo (1931), los yesos grabados con temas mitológicos y la mayoría de sus esculturas.

La obra testamentaria

La Segunda Guerra Mundial inspira las pinturas de Braque que son como un reflejo de la austeridad de la época (el pan, 1941, MNAM). A partir de 1947, la obra del artista se vio a menudo interrumpida por enfermedades, pero produjo, entre 1949 y 1956, la serie de “Talleres”, ocho lienzos que destacan por la terquedad con la que parecía haber querido reunir. Todos sus recuerdos, todos la investigación y todos los temas de su obra (Taller VI, 1950-1951, Fundación Maeght, Saint-Paul-de-Vence). En algunos de estos lienzos aparece un pájaro cuyas alas, desplegadas en un espacio abstracto, proporcionarán el tema de la decoración que Braque ejecutó en 1952-1953 para el techo de la sala etrusca del museo del Louvre. Este es el último tema de meditación de un artista que siente la necesidad de escapar del mundo cerrado e inanimado que representa toda su pintura. También en la década de 1950 renovó las vidrieras contemporáneas a su manera, en lugares cercanos a su corazón: la capilla de Saint-Dominique en Varengeville-sur-Mer y la capilla de Saint-Bernard en la fundación Maeght de Saint-Paul. de-Vence.

Braque y Picasso

Los dos creadores del cubismo se conocieron en el Bateau-Lavoir, durante el otoño de 1907, por iniciativa de Guillaume Apollinaire, y se hicieron amigos gracias a una admiración común por Paul Cézanne. Ni su origen, ni su formación, ni su temperamento fueron comparables, pero su investigación contribuyó a un mismo proyecto, el de transformar radicalmente la relación entre pintura y realidad tomada como modelo. Para ello, Braque fue innovador: fue el primero en introducir letras mayúsculas en sus composiciones, en utilizar el peine para pintar madera falsa, en añadir arena, aserrín o clavos al material pictórico. Solo la guerra, en 1915, interrumpió el diálogo entre Braque y Picasso, quien a partir de entonces hizo carreras independientes.